تعرف على ندى سلمانبور — الفنانة الإيرانية التي جسدت روح الرمال

by Alexandra Mansilla

تعرف على ندى سلمانبور — الفنانة الإيرانية التي جسدت روح الرمال

24 Jun 2025

Photo: Inloco Gallery

من الكثبان الرملية المتغيرة في صحراء مليحة إلى المعارض الحديثة للتصميم المعاصر، ندى سلمانبور تمهد طريقها الخاص — طريق يدمج بين الهندسة المعمارية والنحت وسرد القصص. وُلدت في إيران عام 1993 وتعيش الآن في الإمارات العربية المتحدة، تعتبر سلمانبور مهندسة معمارية ومصممة منتجات حائزة على جوائز، ويجمع عملها بشكل سهل بين المقاييس والمجالات المختلفة. سواء كانت تصمم الأثاث، أو تنشئ منشآت عامة كبيرة، أو تلقي المحاضرات حول التصميم، فإن نهجها يعتمد على الفضول، والهندسة، والحس الثقافي.

في 2023، كشفت عن "مناظر الرمل"، وهي سلسلة رائعة من الأعمال النحتية التي تم إبداعها من الرمل الصحراوي ومهندسة للتعبير الشاعري وقوة التحمل الهيكلي. كُلفت هذه القطع كجزء من تدخل الفن "القصر بلا فائدة" الذي نظمته معرض إن لوكو، وتم تركيب هذه القطع في قرية مهجورة في منطقة مليحة بالإمارات العربية المتحدة. بالنسب الإنسانية والسيول السلسة، تعكس المنحوتات افتتانها بهشاشة وديمومة المناظر الطبيعية، وتقدم تأملاً حول المادة والذاكرة والمعنى.

— نشأتِ في إيران وانتقلتِ إلى الإمارات. هل شكل ذلك عملك؟

— بالطبع. نشأت في إيران وانتقلت إلى الإمارات خلال سنوات مراهقتي، وكانت تلك الفترة تأثيرية للغاية. الإمارات متعددة الثقافات بشكل لا يصدق، وتلك التنوع وسع من فهمي للناس والأماكن بطرق لم أكن أتوقعها. يُعرض عليك العديد من وجهات النظر العالمية في آن واحد هنا. ذلك، بالإضافة إلى ميراثي الإيراني وذكريات نشأتي حول الطبيعة الخام، شكل كيف أراقب وأبدع. جعلني أُدرك التفاصيل، وكيفية انتقال الثقافة والذاكرة والعاطفة إلى الشكل.

— ما الذي أثر فيكِ أكثر كخالق؟

— فضولي، بدون شك. كنت دائمًا ذلك الطفل الذي يجمع الحجارة والأوراق، ويصنع الهياكل الصغيرة من الطين في الحديقة. لم يكن الأمر يتعلق بصنع شيء 'مفيد' أو 'فني'، بل كان مجرد اكتشاف القوام والأشكال. أعتقد أن تلك الطفولية المبكرة قد بقيت معي. كانت الطبيعة معلمي الأول. تعلمت عن التباين، والتغيير، والمفاجأة فقط بمشاهدة كيف غيرت الفصول نفس المنظر الطبيعي. تلك التجربة اللمسية المبكرة ساعدتني في تجاوز الحدود الإبداعية لاحقاً.

صورة: معرض إن لوكو

— كيف ترين تطور مبادرة الفنون العامة؟

— إنه ممتع. وأكثر من ذلك، إنه معادل عظيم. كون هذه الدعوات المفتوحة متاحة للجميع يعني أن أي شخص لديه مفهوم قوي بما فيه الكفاية يمكنه المشاركة. وهذا هو الأقوى. على مر الزمن، يمكنك رؤية تحول في الأعمال التي يتم إنتاجها لتصبح أكثر تفكيرًا وأكثر ارتباطًا بالسياق. هناك تطور مرئي في مستوى المشاركة، من قبل كل من الفنانين والجمهور.

— ما الدور الذي تعتقدين أن الفن العام يلعبه؟

— نيتي هي خلق لحظة 'آها' — مواجهة تعطل روتين شخص ما بشكل كاف لإثارة الفضول. يجب أن يقدم العمل الفني للناس سببًا للتوقف. هذا الإحساس بالمشاركة مهم جدًا، وليس شيئًا يمكنك أن تطلبه من المشاهد — عليك أن تصممه. إذا أضاف قيمة عاطفية أو بصرية للمكان، فأعتقد أنه يقوم بوظيفته.

— هل ستطلقين على العمارة شكلاً من أشكال الفن العام؟ أم أنها مختلفة؟

— يمكنك أن تقول ذلك. الحدود بين الفن والتصميم غير واضحة. شخصياً، لا أبدأ التصميم بالتفكير في الجمال — أركز على الأداء والغرض. ولكن إذا لم يكن المنتج النهائي جميلاً، فهذا يعني أن هناك خطأ ما. لقد قال باكماستر فولر شيئًا على هذا النحو. بالنسبة لي، الجمال ينشأ من حل المشكلات بشكل جيد. العمارة، مثل الفن العام، لديها القدرة على تحريك الناس. إنها تخلق جوًا وعاطفة، بل وذاكرة.

صورة: معرض إن لوكو

— How do you tailor public art installations to the location? Do you study space beforehand?

— Absolutely. Context is everything in my process. I treat each site as a collaborator. Even when I am not translating literal forms, the history, the materiality, or even the soundscape of a place can influence the direction I take. I always create a brief for myself, like a story or formula, that guides the work. It helps the piece feel grounded, even if it is abstract.

— What was the initial idea behind the Sandscapes?

— Working with Inloco was a dream because there were no limitations. This was my first visual art piece, and it came from a deep fascination with the desert as a living, shifting force. The site was an abandoned farm in Mleiha, and I kept imagining the sand as a slow, patient sculptor. What would the desert create if it had its own artistic agency? That was the starting point. I tried to reflect that idea through curvatures and textures that feel rooted in the landscape but reinterpreted into something futuristic.

— How technically challenging was it to bring that vision to life?

— Very! I spent a lot of time photographing the desert in different light and weather conditions, studying how sand behaves. Then I used those observations to create 3D models. The hardest part was fabrication. I didn’t want the sculpture to be so heavy that it became unmovable, but I also didn’t want to compromise the material integrity. So it is hollow inside to reduce weight, and the shell is made from sand I collected, filtered, and treated myself. It was important to return the sculpture to the same desert site for photography — a full-circle moment.

Sandscapes. Instagram: @nedasa

— What sort of sentiment does working with sand hold for you?

— Sand is such an overlooked material. It is poetic in how it resists permanence. Working with it reminds me that fragility and strength can exist simultaneously. As a creative, I find joy in transforming familiar materials in unfamiliar ways. We aren’t truly original — we remix what we know — but the remixing itself can be powerful. I wanted people to look at sand differently, to see elegance and intention in something usually seen as formless.

— Was Sandscapes also meant to explore fragility? Sand is strong yet fragile.

— Yes, definitely. That duality is central to the piece. People often associate sand with softness and impermanence, but it is also the raw ingredient of glass and concrete. It holds so many contradictions. The sculptures are tall and humanoid in scale — they feel present and sturdy, but there is a delicacy to their surface and a vulnerability in their posture. That tension is what I hoped would resonate.

— To me, the sculptures feel futuristic, even brutalist. Do you like brutalism?

— I love brutalism. It is often misunderstood as cold, but I see it as honest. The textures, the mass, the presence — it is architectural storytelling in raw form. Funny enough, the opportunity to work with Inloco Gallery came from a conversation about brutalism. I was gushing about Soviet-era buildings to someone at an event, and she later connected me to the gallery. That is how my first visual art commission happened.

— Do you consider sustainability important in your work?

— Absolutely. But I approach it differently. For me, sustainability isn't only about using recycled materials. It is about creating something that lasts, emotionally and physically. A well-made object that gets passed down through generations is more sustainable than a trendy eco-product that ends up in a landfill. I think good design is inherently sustainable because it respects resources and endures.

Photo: Inloco Gallery

— Do you hope Sandscapes lasts for years?

— I do. I am always learning and trying to improve the technical quality of my pieces. Each project is a stepping stone. But more than physical durability, I hope it stays with people emotionally. If it leaves a memory, then it is lasting in a meaningful way.

— What do you hope people feel when they see your work?

— I hope they find meaning. That could come from the story behind it, the craftsmanship, the materials — anything that resonates. I design with layers, so there is room for different kinds of connections. Ideally, the work sparks curiosity or quiet reflection. Something that lingers.

— You mentioned we are all part of the zeitgeist. How does that impact your approach?

— I think it is important to recognise that even as individuals, we are part of the cultural wave. We help shape it. Each of us is like a grain of sand contributing to the larger landscape. That perspective makes me feel responsible, like I have something to add, even if it is small. I want to be intentional with what I contribute.

— You talk about art like it is a formula. Does your technical background help?

— Yes, definitely. My background in architectural engineering shaped how I think. To me, everything is about assembling known elements in new ways — just like in chemistry. The novelty isn’t always in the ingredients, but in the structure and sequence. Even emotions can be engineered into a form if you understand the language of space and material.

— So the final hope is to create that butterfly moment?

— Always. I begin by making something that moves me — that is the first spark. If it makes me feel something, there is a good chance it will resonate with someone else. That moment of recognition, of connection — that is what I strive for.

by Alexandra Mansilla