“الوطن هو شيء يتنقل باستمرار بين الماضي والحاضر”

by Barbara Yakimchuk

“الوطن هو شيء يتنقل باستمرار بين الماضي والحاضر” — تَعَرَّف على شينجو يامازاكي

29 Jul 2025

ما هو المنزل؟ هل هو المكان الذي ولدت فيه، أو المكان الذي يأتي منه والداك، أو ربما حيث تعيش وتُبدع؟ على الأرجح، هذا السؤال قد طرحه شينغو يامازاكي على نفسه أكثر من مرة.

ولد في هونولولو لأصول يابانية وكورية وحاليًا يقيم في لوس أنجلوس، الفنان لدية الكثير ليقوله عن ما يعنيه "الوطن" بالفعل. وكما قد تتوقع، لا يعبّر عن ذلك بالكلمات فقط — بل يروي قصته من خلال الفن.

بمزج الذكريات الشخصية مع الرموز العائلية، يدعونا عمل يامازاكي للتفكير في فكرة المنزل والهوية من خلال تفاصيل هادئة ومتعددة الطبقات — النوع الذي لا تلاحظه إلا عندما تأخذ الوقت للنظر بعمق. مع معرضه الفردي "Mauka to Makai" الآن في غاليري فوليري حتى 1 سبتمبر, تحدثنا معه عن مساره الإبداعي والمعاني العميقة وراء أعماله. تأملاته تجدونها في الأسفل.

“التدخل الإلهي”، 2025

— هل يمكنك تقديم نفسك وإخبارنا منذ متى وأنت في عالم الفن؟

— اسمي شينغو يامازاكي. بدأت الرسم منذ أكثر من عقد من الزمان، رغم أنني أقول إنني عملت بشكل احترافي — حيث أقمت معارض وكونت ممارسة مستمرة — خلال السنوات الثلاث الماضية تقريبا.

ولدت ونشأت في هونولولو بهاواي، والكثير من أعمالي مستلهمة من تلك التجربة، خاصة التقاطعات الثقافية والهويات المتعددة الطبقات التي تشكل جزءًا من الحياة اليومية هناك. قبل حوالي سبع سنوات، انتقلت إلى لوس أنجلوس، حيث أعيش وأعمل حاليًا في الاستوديو الخاص بي.

— كيف كانت طفولتك؟ هل كنت مهتمًا بالفعل بالرسم حينها؟

— لم أبدأ بالرسم — بدأت بالرسم اليدوي. كطفل، كنت شغوفًا جدًا بالرسوم المتحركة والكوميك والأنمي. كان دراغون بول من الأعمال المفضلة، وكنت أقضي ساعات في رسم شخصيات من العروض والألعاب والقصص المصورة — أي شيء يثير خيالي: شخصيات نيكولوديون، وسوبرمان، وسونيك القنفذ، وماريو…

كانت أمي داعمة جداً — حيث كانت تعلق رسوماتي على الثلاجة، مما جعلها تبدو وكأن لها أهمية، حتى في ذلك الوقت.

بشكل مفارقة، توقفت عن الرسم في المدرسة الثانوية. لبضع سنوات، لم يكن جزءًا من حياتي. ولكن بمجرد أن بدأت دراسة الفن في الجامعة، شعرت وكأن شيئًا ما قد وقع في مكانه. وجدت نفسي أرسم مجددًا باستمرار — ومع تركيز جديد. كانت تلك اللحظة حيث بدأت الأمور تتغير حقًا.

— أعلم أنك حصلت على شهادة البكالوريوس في الفنون. ماذا قال والداك عندما قررت اتباع هذا المسار؟

— لم يكونوا متحمسين بالضبط عندما قلت إنني أريد التخصص في الفن. مثل الكثير من الآباء، كانوا يأملون أن أختار شيئًا أكثر تقليدية — كالأعمال التجارية أو الاقتصاد — شيء له مسار وظيفي أوضح.

لكنني كنت دائمًا عنيدًا قليلاً. لم أرغب في اتباع مسار فقط لأنه يُعتبر "آمنًا" أو "ناجحًا". أردت أن أفعل شيئًا يعني لي شيئًا حقًا — وبالنسبة لي كان ذلك الفن.

من المثير للاهتمام، أنني لم أبدأ في الرسم. بدأت بالسيراميك. كانت معظم وقتي في السنوات الأولى تُقضى في الاستوديو لتشكيل الطين والنحت والتجريب بالأشكال. كان ذلك جوهر ممارستي في الكلية في البداية. ولكن بمجرد أن بدأت الرسم، شعرت أن كل شيء كان صحيحًا — وكنت أعلم أن ذلك هو الاتجاه الذي أردت أن أسلكه.

— أنا فضولي — كيف كانت تجربة الدراسة في برنامج الفن؟

— أعتقد أن الناس الذين درسوا مواد أكثر تقليدية — مثل الاقتصاد أو العلاقات الدولية — قد يرون الجانب الإبداعي من الجامعة كشيء غامض. هناك فكرة أنها رومانسية وخيالية، وكأنك ترسم في الشمس طوال اليوم. لكنها لم تكن مثالية بهذا الشكل.

درست في جامعة هاواي — لم تكن مدرسة فنون خاصة بموارد لا نهائية أو مرافق من الدرجة الأولى، لكن ما قدمته كان مساحة للتجريب. عملنا عبر جميع أنواع الوسائط: التصوير الفوتوغرافي، الطباعة، صنع الورق، السيراميك، الرسم، الرسم اليدوي… كان يعتمد على التطبيق العملي.

التركيز لم يكن فقط على إتقان مهارة واحدة — بل كان على استكشاف مواد مختلفة وإيجاد صوتك الخاص من خلال تلك العملية. كان ذلك الحرية في تجربة الأشياء، للفشل والمحاولة مرة أخرى، الذي ساعدني حقًا على فهم ما أردت قوله وكيف أردت قوله. لم يكن الأمر يتعلق بالكمال التقني، بل كان يتحدث عن كيفية التفكير كفنان بطريقة صادقة.

— دعنا نتحدث عن فنك. أرى الكثير من التأثيرات الآسيوية في عملك. كيف تظهر تلك العناصر الثقافية في ما تخلقه؟

— العديد من ذلك ينبثق من البيئة التي نشأت فيها. تعتبر هاواي غنية للغاية بالثقافة، مع تأثيرات آسيوية وبولينيزية عميقة في الحياة اليومية. بالإضافة إلى ذلك، خلفيتي الخاصة يابانية وكورية، لذا هناك خيط شخصي ينسج بشكل طبيعي في العمل.

الأشخاص الذين أرسمهم هم عادة أصدقاء أو عائلة، لكنني أحافظ على هوياتهم غامضة عن عمد. إنها طريقة لدعوة المشاهد للدخول وترك شيء ما - توتر صامت يعكس كيف يمكن أن يكون التعقيد في الهوية.

لكن الأمر ليس فقط عن الوجوه. أنا أكون مهتمًا بشكل خاص بالحركة بين الأشياء - كيف تسافر عبر الزمن والجغرافيا، خصوصًا عبر الهجرة، وكيف تتغير معانيها في الطريق. أركز غالبًا على الأشياء التي نشأت في أماكن مثل اليابان أو كوريا، وأفكر في كيفية تحولها بعد وصولها إلى هاواي. تلك العملية - كيف يتطور شيء ما في سياق ثقافي جديد - هو شيء أجده مثيرًا للغاية.

في لوحاتي، أستخدم هذه الأشياء كوسيلة لاستكشاف الهوية، وغالبًا بطريقة أكثر تجريدًا أو غير مباشرة. أنا مشدود بشكل خاص إلى الأماكن المنزلية، والطريقة الصامتة التي تحمل بها الذاكرة وتحمل الوزن الثقافي دون أن تلاحظ تقريبًا.

— أعلم أن موضوعات مثل "الهوية"، "الوطن"، و"الانتماء" هي محور ممارستك. كيف أصبحت أساس عملك؟

— تلك الموضوعات كانت دائمًا موجودة، حتى قبل أن أكون مدركًا لها تمامًا. عندما تكبر في مكان مثل هاواي - مكان تتداخل فيه الكثير من الثقافات - تبدأ بطبيعة الحال في التفكير في الهوية. لكن لم أبدأ في التساؤل حقًا عما يعنيه "الوطن" حتى انتقلت بعيدًا. لا تلاحظ دائمًا شعور الانتماء - أو ألم الحنين للوطن - حتى تغادر المكان الذي كنت تعتبره المنزل.

تلك الإحساس بوجودك بين الأماكن - عدم الانتماء الكامل في أي مكان - هو شيء أعود إليه باستمرار. لقد نشأت أتحدث البيجين، وهي لغة كريولية محلية في هاواي تمزج بين اليابانية، الصينية، الفلبينية، لغة هاواي، والإنجليزية. جعلني ذلك التداخل الثقافي واللغوي أدرك مبكرًا أنني لم أكن أنتمي بشكل كامل إلى هوية واحدة.

لقد أدركت أنني لا أملك منزلًا واحدًا فقط. بالنسبة لي، هو فكرة متغيرة - شيء يتغير بناءً على السياق، الزمان، أو حتى المزاج. كشخص يعيش بين ثقافات متعددة، لم أشعر مطلقًا بأنني متجذرة بشكل كامل في مكان واحد. غالبًا ما أشعر أنني أعيش في التقاطعات، أتنقل بين نسخ مختلفة من نفسي بناءً على مكاني.

الآن وأنا أعيش في لوس أنجلوس، بعيدًا عن المكان الذي نشأت فيه، أفكر أكثر في كيفية أن "الوطن" يمكن أن يكون نفسيًا - مكانًا عاطفيًا أو متخيلًا، بدلاً من مكان ثابت. في عملي، غالبًا ما أجمع بين بيئات مختلفة - مشاهد داخلية، مناظر طبيعية، أشياء منزلية - كوسيلة للتعبير عن إحساسي المتغير بالهوية، والذاكرة، والانتماء كشخص من الشتات.

— بما أنك ترى البيت كشيء متغير، متأثر بكثير من الأماكن والذكريات، هل يمكنك وصف المنازل المختلفة التي تحملها معك؟ أين هي، وماذا تعني لك؟

— هذا سؤال صعب، لأن المنزل بالنسبة لي ليس مرتبطًا بمكان محدد - هو شعور متعدد الطبقات. لكن إذا كان علي أن أذكر بعضها...

اليابان بالتأكيد واحدة منها. جزء من عائلتي ياباني، وأتحدث اللغة، لذا هناك صلة ثقافية ولغوية عميقة. إنه يشعرني بالانتماء من حيث الأنساب، والاتصال، والتراث.

ثم هناك هاواي، حيث ولدت ونشأت. ربما هذا هو الإصدار الأكثر ملموسًا للوطن - إنه المكان الذي تعلمت فيه عن المجتمع، حيث درست التاريخ المحلي، مثل الملكية في هاواي، وحيث بدأت أفهم علاقتي بالمكان.

كوريا هي جزء آخر مني، رغم أن الارتباط هناك أكثر تعقيدًا. بعض أفراد عائلتي الكوريين عاشوا في اليابان، والكثير من ذلك التاريخ - خاصة الأجزاء الأكثر صعوبة - لم يتم التحدث عنها حقًا. لذا، فإن هذا الرابط يبدو غير محسوم قليلاً. إنه جزء من من أنا، ولكنه لا يزال شيئًا أعمل على فهمه.

وأخيرًا، هناك لوس أنجلوس. لم تبدأ كمنزل، لكنه المكان الذي أعيش فيه الآن، حيث أبدع، وحيث اضطررت إلى بناء إحساس بالانتماء من الصفر. لذا، بطريقته الخاصة، أصبح هو المنزل أيضًا.

"سلمرز", 2024

— هل هناك شيء من طفولتك - شيء مادي - يحمل معنى عميق ويظل يربطك بماضيك؟

— نعم، هناك. لديّ زوج من المناظير التي كانت تخص جدي. احتفظت بها بعد وفاته - بشكل غريزي تقريبًا - كشيء لأتمسك به.

كان أصله من كوريا وانتقل إلى اليابان، وأخيراً إلى هاواي. بعد وفاته، أتذكر أنني كنت أنظر إلى المناظير القديمة وأتخيل كيف سافر - من كوريا إلى اليابان - وكأنه كان يبحث عن مكان ينتمي إليه. تلك الصورة بقيت حقاً في ذهني: هو، يبحث عن منزل من خلال تلك المناظير.

لا زلت أمتلكها. إنها أكثر من مجرد شيء مادي — إنها تحمل ذكريات، حركة، وقليلاً من الخيال. لقد أصبحت حلقة وصل هادئة بيني وبينه، وبين تلك الرحلة.

— دعنا نتحدث عن فنك. لاحظت أنك نادرًا ما تظهر الوجوه في لوحاتك. هل ذلك مقصود؟

— نعم، إن ذلك مقصود. أبقي الوجوه غير واضحة لعدة أسباب. أحدها يتعلق بتجربة الرؤية الجزئية، خاصة للأشخاص من خلفيات الشتات. غالبًا ما يكون هناك شعور بأنهم يُرون، لكنهم غير معروفين بشكل كامل — أو الحاجة للبقاء بعيدًا عن الأنظار ، لإبقاء رأسك منخفضًا والبقاء غير مرئي في بعض الأماكن. بعدم إظهار الوجوه، أعبر عن ذلك الشعور بالغموض والمحو.

وسبب آخر هو تغيير طريقة تفاعل المشاهد مع العمل. عندما نرى وجهًا، نشكل تلقائيًا افتراضات - حول من هو الشخص، وكيف يشعر، ومن أين قد يكون. بإزالة ذلك، أدعو المشاهدين للنظر في أماكن أخرى للمعنى - في الوضع، في الأشياء، في المساحة المحيطة. يشجع ذلك على نوع من الرؤية البطيئة والمفتوحة، التي لا تتشكل مباشرة بواسطة التحيز الشخصي.

— لاحظت أيضًا أنك تستخدم الألوان الزاهية والمشبعة بشكل متكرر. هل هذه هي لوحة الألوان المميزة لك، أم هناك شيء آخر خلفها؟

— الكثير من اختيارات الألوان تأتي من الطبيعة — خاصة النباتات والمناظر الطبيعية. أستلهم مباشرة من المراجع الحقيقية: النباتات الاستوائية، السماء الزاهية، التشكيلات الجيولوجية التي أواجهها في الرحلات أو السفر. ثم أعيد تفسيرها كبيئات أو أسطح خلفية داخل اللوحات.

أميل أيضًا إلى استخدام التدرجات بشكل كبير — الانتقالات من لون إلى آخر. بالنسبة لي، يمثل ذلك التدرج شيئًا في حالة حركة، نوع من المساحة البينية. يرفع الإعداد من واقع ثابت ويضعه في مكان أكثر نفسية أو عاطفية. لذلك، بينما الألوان زاهية، فهي أيضًا وسيلة لاستكشاف الحركة، التحول، والهوية.

“في العبور”، 2023

— هناك ارتباط قوي بالطبيعة في عملك. هل ترسم بالخارج أو في الطبيعة بشكل متكرر؟ كيف يبدو تنظيم الاستوديو الخاص بك؟

— في معظم الأوقات، أعمل في استوديو عادي إلى حد ما - لا شيء فاخر بشكل خاص. فقط جدران، طلاء، لوحات، وقليل من الفوضى. ولكن للسلسلة التي أعمل عليها حاليًا، عدت بالفعل إلى هاواي وقضيت الوقت في التنزه. زرت مواقع محددة، التقطت صوراً، واستخدمت تلك كنقاط مرجعية للمناظر الطبيعية والتشكيلات الصخرية في العمل.

لذلك بينما يحدث الرسم نفسه في الداخل، غالبًا ما تنبع الصور من التجربة المباشرة مع الطبيعة. هذا النوع من العمل الميداني — إن كنت تستطيع تسميته هكذا — هو بالتأكيد جزء من العملية الإبداعية بالنسبة لي.

— كيف تتعامل مع الإلهام؟ هل تنتظره، أم لديك طرق محددة لتحفيز الأفكار الجديدة؟

— أحاول أن أبقى نشطًا في كيفية تعاملي مع الإلهام. أحيانًا أتصفح الصور العائلية القديمة — مجرد النظر فيها يمكن أن يعيد الذكريات أو يقترح قصصًا أود استكشافها في عملي. أحيانًا أخرى، أبدأ بفكرة أو مفهوم وأقوم بإجراء بحث مركز حوله.

على سبيل المثال، أصبحت مرة مهتمًا جداً بقميص ألوها — القميص المطبوع الكلاسيكي الهاوائي — وبدأت أبحث في تاريخه وأهميته الثقافية. أصبح ذلك مدخلًا للتفكير في الهوية والسياحة واللغة البصرية، والتي قمت بدمجها بعد ذلك في لوحاتي كرموز مرجعية.

ومن ثم هناك أوقات يكون فيها الأمر أكثر عفوية. أذهب في نزهة، يلفت شيء انتباهي، ويصبح ذلك الشرارة. غالبًا ما أترك الطبيعة توجه اتجاه العمل.

“واجهة البيت”، 2024

— على موقعك الإلكتروني، تم وضع علامات على أحدث أعمالك بعام 2021، وهناك تطور واضح منذ ذلك الحين — ليس فقط في التقنية، ولكن في الأسلوب والمفهوم. كيف تصف هذا التقدم؟

— لقد كان ذلك مزيجاً من الأمور — نمو طبيعي من حيث المهارة، بالطبع، ولكن أيضًا تغيير في نوع الأفكار التي كنت أستكشفها. أحاول باستمرار تحدي نفسي، لتجاوز ما أعتقد أنه ممكن في البداية — سواء كان ذلك في الشكل أو الموضوع أو النهج. هذه العقلية ساعدتني على النمو ليس فقط من الناحية التقنية، ولكن أيضًا من الناحية المفهومية. أريد أن يتوافق تعاملي مع الطلاء مع الموضوعات التي أعمل من خلالها، لذا حدث التطور فعلاً على كلا الجانبين.

"تذكر أن تنسى", 2020

— وماذا يعني ذلك لك بالضبط — أن تتحدى نفسك، داخل مجال الرسم؟

— مع هذه السلسلة الحالية — السلسلة المعروضة الآن في دبي — كان التحدي يتمثل في جمع بين عالمين بصريين مختلفين: داخلي المنازل والمناظر الطبيعية. هذا شيء لم أكن قد قمت باستكشافه بالكامل من قبل. بدأ ذلك مع قطعة قمت بصنعها لعرض في عام 2023 ركز على تكوينات الصخور. لقد أصبحت فعلاً مهتمًا بالطريقة التي يمكن أن تكون بها ملموسة وتجريدية في نفس الوقت - قوية فيزيائيًا، لكنها مفتوحة للتفسير.

فتحت تلك القطعة اتجاهًا جديدًا. بدأت بتجربة الأشكال الجيولوجية المجردة - مثل الجبال والصخور - ووضعها داخل فضاءات أكثر سردية، جنباً إلى جنب مع الشخصيات البشرية. لكنني لم أرغب في أن تبدو التراكيب مجبرة أو مبنية بشكل مفرط.

كان ذلك هو التحدي الحقيقي: كيفية جمع كل هذه العناصر الرمزية المتداخلة - المناظر الطبيعية، الذكريات، الحياة المنزلية - وما زلت السماح للوحة أن تتنفس. استغرق الأمر بعض الوقت، لكنني في النهاية وجدت ذلك التوازن.

"Kiriotoshi", 2025

— من بين جميع أعمالك حتى الآن، هل هناك عمل تعتبره المفضل لديك؟ شيء تشعر بأنه ذو معنى خاص أو يرضيك؟

— أود أن أقول إن العمل المزدوج بعنوان "جميع القمم الثلاثة" هو على الأرجح المفضل لدي. هذا العمل يمثل حقاً مكاني الحالي فيما يتعلق بدمج الشكل المجرد مع التركيب السردي والجو العاطفي. لقد جمع بين العديد من الأفكار التي كنت أعمل عليها - على مستوى التكوين والمفاهيم - وشعرت أنه كان خطوة حقيقية للأمام.

يحتوي على طبقات من الرمزية التي تمكنت من دمجها بداخله. لقد جمع بين العناصر الشخصية والثقافية والتاريخية التي شعرت بأنها ذات معنى على مستويات متعددة.

على سبيل المثال، هناك بطاقات هانافودا على الطاولة في اللوحة — وهو لعبة ورق يابانية تقليدية. استخدمت خلال فترة كان فيها اليابان تمنع التأثير الأجنبي، لذلك لم تكن تحتوي البطاقات على أرقام أو حروف، بل على صور مرسومة جميلة للنباتات والحيوانات. بهذه الطريقة، لم تكن اللعبة تبدو "أجنبية" ويمكن الاستمرار في لعبها بسرية. وجدت هذه التفصيلة التاريخية مثيرة وأشعر بأنها تناسب جيداً مع مواضيع التكيف والهوية المخفية.

وتفصيلة أخرى مهمة هي نسخة من لوحة من جورجيا أوكيف موضوعة في الزاوية اليمنى. هذا العمل بالتحديد تم تكليفه فعلياً من قبل مزرعة دول للأناناس. وهذا يرتبط مباشرة بتاريخ الاستعمار في هاواي - حيث كانت دول واحدة من أصحاب المزارع الذين شاركوا في الإطاحة غير القانونية بالملكية في هاواي. عندما انتقلت عائلتي لأول مرة إلى هاواي، كان عملهم الأول هو في مزرعة دول. لذلك بالنسبة لي، وضع تلك الصورة في اللوحة كان وسيلة لربط السرد الاستعماري بتاريخ عائلتي الخاص — مختلطين في نفس الفضاء. هذا المزيج بين الشخصي والسياسي، بين الجمال والتوتر، يعرف جيداً ما أحاول تحقيقه في عملي.

"القمم الثلاثة", 2025

— دعونا نختم ببعض الأسئلة النهائية. هل يمكن أن تقدم لنا نبذة سريعة عن معرضك "Mauka to Makai" المعروض حالياً في دبي؟ ما الذي يجب على الزوار توقعه من هذا العرض؟

— اسم المعرض هو "Mauka to Makai" — وهي عبارة اتجاهية نستخدمها في هاواي. Mauka تعني “باتجاه الجبال”، وMakai تعني “باتجاه المحيط”. إنها الطريقة التي نعطي بها الاتجاهات محلياً، ولكن بالنسبة لي، أصبحت أيضاً استعارة لاكتشاف الهوية — التحرك بين المناظر الثقافية والذكريات والمراحل المختلفة من الحياة.

المعرض متجذر في المشاهد اليومية — لحظات منزلية هادئة، وذكريات شخصية، وتفاعلات مألوفة — محاطة بالمناظر الطبيعية. سترى الكثير من التمازج: الجبال والمناطق الداخلية، الشخصيات والأشياء، العادي إلى جانب الرمزي. الأشخاص المصورون هم غالباً أصدقاء أو عائلة، يتم التقاطهم في لحظات هادئة، وتنعكس الإعدادات في ارتباطي بهاواي وحياتي الحالية في لوس أنجلوس.

في جوهره، يدور المعرض حول كيف أفهم مفهوم الوطن — ليس كموقع ثابت، بل كشيء يتغير باستمرار بين الماضي والحاضر. إنه استكشاف لكيفية التقاء الذاكرة والمكان والتاريخ الشخصي معاً لتشكيل إحساسنا بالانتماء.

by Barbara Yakimchuk