‘أدعو الجمهور للتعدي’: بريانكا مهرا تتحدث عن ‘ممنوع التعدي’

by Alexandra Mansilla

‘أدعو الجمهور للتعدي’: بريانكا مهرا تتحدث عن ‘ممنوع التعدي’

24 Jun 2025

Rami Farook. Traces in the artist’s studio, created in 2023–24. Photo: courtesy of the artist

On July 4, Ishara Art Foundation opens its very first summer exhibition (it runs right up until the last day of summer, August 31). The show, "No Trespassing", is curated by Priyanka Mehra. What is it all about? In short, it channels the aesthetics of the street straight into the white cube space.

The exhibition brings together six UAE-based and South Asian artists: Fatspatrol (Fathima Mohiuddin), H11235 (Kiran Maharjan), Khaled Esguerra, Rami Farook, Salma Dib, and Sara Alahbabi. Each of them explores their own relationship with the street, treating it as both subject and medium.

Picture the street — its noise, chaos, crowds, cars, all that unpredictable energy. Now imagine the quiet perfection of a white gallery space. And now, try to combine the two. Sounds impossible? This show makes it happen.

Come see for yourself. And before you go, check out our interview with the curator to learn what it is all about — and what not to miss when you visit.

Priyanka Mehra. Photo: Raheed Allaf/Seeing Things

— Priyanka, before we dive into the exhibition, I would love to hear a bit about your background. You have worked in design and taken on so many different roles, from public art to other creative fields. Can you tell me more about your journey?

— Sure! It has been a very interesting journey. I studied interior design, but then I wasn’t sure what to do next, so I explored different roles. For example, I spent a couple of years assisting a fashion photographer, then moved into Bollywood production, and later transitioned to TV commercials and photoshoots.

After that, something shifted, and I discovered public art and urban art. I began working with street artists from India and abroad and managed a renowned site-specific artist, Daku. We worked on creating art districts, urban regeneration programs, and urban art festivals. For the first two years, I was amazed by everything happening around me, but I was mainly focused on the work itself and didn’t fully grasp all the artistic and logistical aspects.

Later, I realised that this was exactly what I wanted to do. From there, I explored more roles in public art, relocated to Dubai, and worked on several projects here and in KSA. Eventually, I decided to pause — I just wanted a space for deeper thinking, and I was fortunate to join the Ishara Art Foundation.

— How would you describe the public art scene in India?

— It is vibrant and full of energy! At the same time, it is still quite new and rapidly developing. Many things happen on the go — you learn as you work, and even established organisations and the government are still figuring out how to support public art programs and why they are important.

If I had to sum it up in one word, I would say it is “crazy,” but in a good way. That is the nature of public art everywhere. Public art comes with its own set of challenges, but in India, it is different. There is more bureaucracy, but interestingly, it can actually be easier to navigate and there is a lot of improvisation on the ground.

— Now, "No Trespassing." As someone who works with words and letters, I’m really interested in the name. What was your creative process behind choosing it? Can you walk me through how you landed on this title?

— It took me a while to come up with the title. The very first ideas I had were rather ordinary — titles like “The Street is a Mirror,” which didn’t really resonate with me. I wasn’t sure about them, especially considering the overall theme of the exhibition, which focuses on aesthetics from the street.

I started to think: what are these streets, and what coded languages exist around them? My initial idea was to work with a few street artists, but I didn’t want the show to become only about street art. There is so much more to the street than just street art.

So I began to consider the keywords we use when we talk about streets and street art, and what kinds of mediums come from that context. There is honesty, there is unruliness, and there is often a lot of social commentary involved. Gradually, this led me to the word “trespassers.” But then I wondered: why am I directing this idea of trespassing only at the artists in the show? Why not extend it to the public?

That is where the concept came together. The whole exhibition is a play on contradictions, starting right from the title. I realised it made sense to put it out there — to invite the public to trespass.

Khaled Esguerra. Prototype of Heritage Legacy Authentic (2025). Photo: Khaled Esguerra

— So, you decided to take works that are often large-scale and meant for the streets and bring them into a white cube space. The first question: why did you make that choice?

And secondly, it seems clear that artworks can behave very differently in different settings. What changes do you think happen to the artworks — or even the artists themselves — when you move these pieces from the street into an exhibition space?

— That is a very interesting question! I have been reflecting on it quite a bit, and I appreciate the chance to dive deeper into the topic. You mentioned “big works” — this focus on monumentality and scale is something we often associate with public art. But if you look closely, a lot of what you find on the streets is actually small in scale, or even exists as negative space — voids we barely notice.

So the key question is: what are the mediums of artwork we associate with the street, and do we pay attention to them? The street itself is complex and layered: it can be romanticised, melancholic, crowded, or isolated. My approach is to work with the materiality and aesthetic qualities of the street — wires, textures, and the visual language that emerges. That is why the exhibition isn’t limited to only street artists; I’m also including artists with a conceptual approach.

For instance, Sara Alahbabi and Salma Dib both draw from personal experiences: Salma’s inspiration comes from walls in refugee camps and Palestinian posters; Khaled Esguerra brings observations from Abu Dhabi’s streets; the energy of Rami Farook’s works is raw and disruptive. These qualities and energies are what shape this show.

To answer your question, it is not about monumentality or scale — it is about the nuances, the “extensions” of the street. I could have included well-known international artists, but what interests me is what is happening here in this region, often on a smaller, more intimate scale. All the works are site-specific; we are not bringing in existing pieces. The only thing that pre-exists is our relationship with the street and the spaces around us.

To your second question about how the artworks behave in an exhibition space, I have noticed something fascinating. Over the past six months, I have been in conversation with these artists. I have seen their work both outdoors and in the studio. When these artists are brought into a white cube space, something shifts — their language and even their personas change. The way they approach their work adapts to the space itself. On the other hand, institutions must also adapt to and support all forms of art and not just contemporary, modern or postmodern art.

فاتسبترول. تفصيل من العالم الخارجي (2025). الصورة: بإذن من الفنانة

— يشارك ستة فنانين في المعرض. هل كان واضحًا لك منذ البداية أن هؤلاء الفنانين الستة المحددين سيكونون مشاركين، أم اخترتهم لسبب معين؟

— منذ البداية، كنت أرغب بالعمل مع فاتسبترول وH11325.

هناك شيء مميز بفاتس؛ فهي متواضعة بشكل لا يُصدق ولا تحب عندما أقول هذا، لكنها فعلاً الفنانة الأصلية لفن الشارع من هذه المنطقة. ومع H11325، كنت قد عملت معه من قبل، لذا كان هناك ثقة متبادلة واطمئنان لإحضاره.

بالنسبة للفنانين الآخرين، في الحقيقة ذهبت إلى الإنترنت لأرى ما يحدث في المنطقة واخترتهم بناءً على مفرداتهم الفنية الفريدة. عمل سارة، على سبيل المثال، أثار اهتمامي على الفور — فهي تعمل مع الضوء، ولم أفكر من قبل حقًا في مادية الضوء وظهوره كجزء من الشارع. ومع ذلك، الإضاءة هي جزء أساسي ومهمل في مساحاتنا العامة؛ عندما تكون غائبة، حتى الأماكن المألوفة يمكن أن تصبح فجأة تشعر بعدم الأمان.

خالد يجلب طريقة تفكير مختلفة تمامًا. أنا معجب بكيفية تحويله أفكاره إلى أعمال دقيقة وبسيطة. هناك مقاومة هادئة لكنه دائمًا ما يعبر عنها بطريقة هادئة وشاعرية، وهذا ما أقدره فعلاً.

مع سلمى، المادة كانت شبه صدفة. كنت أزور عدة استوديوهات في القوز عندما صادف أن أجد استوديوها. شعرت على الفور أن هناك شيئًا مثيرًا يحدث، لذلك تعمقت في عملها، ووجدت أنه يتناسب تمامًا مع تردد العرض. هكذا تواصلنا.

وبالنسبة لرامي، كان بمثابة صانع تغيير كبير في نظام الفن هنا، والتصريحات الهادئة التي يقدمها من خلال عمله تتماشى مع مفهوم المعرض.

سلمى ديب. الجدار الجيلي: ما بعد الحدث (2021). عرض تركيب في معهد الفنون بشيكاغو، 2021. الصورة: بإذن من الفنانة

— أنا متأكد أن كل واحد من هؤلاء الفنانين يعبر عن شيء ما من خلال عمله. هل هناك خيط مشترك أو موضوع يوحد بينهم جميعًا، أم أن لكل واحد منهم رسالته الخاصة؟ ماذا يحاولون أن يقولوا؟

— بدءًا بـ H11325، حدث شيء مثير للاهتمام. خططنا لأن يكون هنا بشكل شخصي لخلق عمل خاص بالموقع، لكنه لم يتمكن من الحضور. وهذا يعني تغيير فوري في الخطط: كان عليه أن ينتقل من فكرته الأصلية التي كانت معقدة جدًا، واقعية بالصورة، وتركز على الإنسانية والهندسة المعمارية وما حولها. وبدلاً من ذلك، قصرها وخلق عملًا مجردًا بالكامل باستخدام الوسائط المختلطة — شيء يمكننا تنفيذه فعلاً هنا. إنه تذكير بكيفية تأثير الحدود مباشرة على نتيجة المشروع؛ لو كان قد تمكن من الحضور، لكان عمله مختلفًا تمامًا. الآن، هذا الفراغ غير المتوقع يصبح نوعًا من المحفز للمحادثة.

مساهمة رامي، من جهة أخرى، ستجلب شعورًا بالتوقف للعرض — أعتقد أن عمله يضيف طاقة قوية، وبالتالي مقاطعة، وهو ما أحبه فعلاً.

عمل فاتس يتضمن الكثير من التفاعل المرح مع المواد التي تم جلبها من الشارع — الأشياء التي وجدت وأعطيت حياة جديدة، وكأنها ولادة جديدة. تخلق أشكالًا مميزة وقطع حائط من هذه المواد.

سارة الحببي. نموذج مبدئي من أجل شيء حديث أفضل (2025). الصورة: بإذن من الفنانة

تستخدم سارة المشي كمنهجية. تستند إلى ما تلاحظه خلال مشيها، حيث تقوم برسم الخرائط للهياكل المعمارية، واستكشاف استخدام الضوء، وما هو مرئي وما يبقى مخفيًا.

وأخيرًا، يركز كل من سلمى وخالد على ما يُرى وما لا يُرى. يتناول عمل خالد تجديد المناطق الحضرية والهويات التي تترك وراءها - ما يحدث بعد هذه التحولات. عمل سلمى هو انفجار بصري كبير، باستخدام كلمات من الملصقات الفلسطينية التي ثم تُغَطَّى وتقريبًا تُخْفَى، مؤْلفةً تأثيرًا ملمسيًا ومُتعدد الطبقات.

بشكل عام، هذا عرض ثقيل بالمادية والملمس، يستكشف ما هو مرئي وما هو غير مرئي وكل ما بينهما.

H11235 (كيرن مهارجن). تفاصيل لغز الأنثروبوسين لدينا (2025). الصورة: بإذن من الفنان

— ستة أعمال قوية في هذا المكعب الأبيض. مع كل هذا التبسيط وهذه الأعمال الفنية المعبرة، كيف تشعر عند رؤيتها معًا في هذا الفضاء؟

— عندما سألت نفسي لأول مرة ما الذي أريد أن يشعر به الجمهور، أدركت أنني أريدهم أن يشعروا بالإغراق - ولكن بأفضل طريقة ممكنة. وهذا بالضبط ما يحدث هنا.

هذا أمر مثير للاهتمام؛ كنت أتحدث إلى سلمى عن هذا قبل بضعة أيام. على سبيل المثال، بعض الأعمال قد تحتوي على شعور بالقلق، لكن عملها لا يبدو "قلقًا". له جودة ممتعة وجذابة - تريد قضاء الوقت معه، والنظر إليه، بل وحتى لمسه. هذا هو الشعور الذي يجلبه العديد من الفنانين للعرض: إنه يغرقك، ولكن بطريقة جيدة. ليس من النوع الذي يجعلك تريد المغادرة - إنه يجعلك ترغب في البقاء وتجربة المزيد.

by Alexandra Mansilla