This season’s haute couture fashion week was one of the most anticipated in recent years, and while the schedule is delivering plenty of visual drama, most of the conversations so far keep circling back to just two shows. Why did they steal the spotlight and what do they tell us about where couture is heading next? Let’s break it down.

At the very heart of French fashion, the week marked two major couture debuts: Jonathan Anderson at Dior and Matthieu Blazy at Chanel. While both had already given us a first taste of what “the new” Dior and Chanel will be like through ready-to-wear collections, couture felt like the real test, keeping both designers under the industry’s microscope.

There is a lot Anderson and Blazy have in common. Both are among the most influential creative directors working today — brilliant visionaries with an outstanding track record. Both were brought in to shake up heritage houses in need of new energy. And despite all that, haute couture was new territory for both of them — something they ventured to rethink.

Speaking to The Business of Fashion, Anderson admitted that he once struggled to connect with couture altogether — the glamour and hierarchy of it felt outdated. But once he pulled out his first couture dress, skepticism turned into addiction. Looking back on the craft-focused work he has done over the past decade also helped Anderson to look at couture from a different angle — seeing it as a fragile ecosystem kept alive by very few houses, yet vital to preserving techniques that could easily disappear if no one practices them. His goal, however, isn’t nostalgia, but reframing the narrative.

At Loewe, he once started with a blank page, but at Dior, the challenge was different: everyone already has an idea of what Dior is. So instead of reinforcing it, Anderson posed a question — to himself and to the audience: what does Dior mean today?

Anderson also looked beyond clothing, treating accessories and jewelry as part of the same story. The collection felt like a contemporary cabinet of emotional curiosities.

Cyclamen bouquets, gifted to Anderson’s by John Galliano ahead of the debut, appeared as nods to creative continuity, while the ceramics of Magdalene Odundo inspired fluid shapes. Dior’s structured silhouettes softened, lines became more relaxed, and a new rhythm took shape, while still echoing the house’s foundations.

أما بلازي، فقد وضع لنفسه مهمة مختلفة تماماً: الابتعاد عن أكثر رموز شانيل شيوعاً. ففي حين اعتمدت المجموعات الأخيرة بشكل كبير على رموز سهلة التعرّف، اختار أن يتجاوز التويد واللؤلؤ وزهور الكاميليا ليرى ما الذي يشكّل فعلاً جوهر الدار.

تجنّبت أول مجموعة هوت كوتور له الإشارات الواضحة، ما دفع البعض إلى وصفها ظلماً بأنها مملة، بينما يذكّرنا بلازي في الحقيقة بأن الهوت كوتور هي نقطة انطلاق شانيل. فعندما افتتحت غابرييل شانيل ورشتها، لم تكن الأزياء الجاهزة موجودة حتى — كانت تلبس النساء لحياتهن اليومية، لا للمناسبات الخاصة فقط.

هذا التفكير شكّل مقاربة بلازي للأزياء الراقية: خفيفة، قابلة للارتداء ومع ذلك معقّدة، ومصممة لتعيش ما بعد السجادة الحمراء. أي شيء بدا ثقيلاً بصرياً أو مفاهيمياً تم استبعاده عمداً. وقال لـ WWD: «كنا قد صنعنا بعض الفساتين الضخمة والرائعة. ليس أنها لم تنجح، لكن الرسالة لم تكن واضحة. كنا نفقد جوهر الدار، وهو الملابس التي ترتديها النساء فعلاً».

عند وضع الظهورين جنباً إلى جنب، يرويان قصة متشابهة. أندرسون يتعامل مع الأزياء الراقية كحرفة حيّة لها مكانها في عالم اليوم. أما بلازي فيعيد شانيل إلى جوهرها لفهمها بشكل أفضل وإعادة وصلها بالحياة الواقعية. مساران مختلفان، النتيجة نفسها: أزياء راقية تبدو ذات معنى، وحية بكل المقاييس.