تحمل السجادة التقليدية قروناً من التاريخ — نقوشاً تتوارثها الأجيال، حكايات منسوجة في الهندسة، وألواناً مرتبطة بالمكان والذاكرة. ومع ذلك، ما يهمّنا الآن هو كيف تتعامل مجموعة جديدة من الفنانين مع هذا الشكل بفضول هادئ. هم لا يحاولون تحديث السجاد لمجرّد التحديث. بل يستمعون إلى ما تعرفه السجادة أصلاً: البنية، والتكرار، والرمزية، والعمل.

بعضهم يرسم السجاد، وبعضهم يفكّكه، وبعضهم يتعاون مع النسّاجين، وبعضهم يحوّل السجادة إلى سطح نحتي أو مفاهيمي. كل واحد منهم يدخل هذا التقليد من زاوية مختلفة، لكن النتيجة واحدة — تتوقف السجادة عن كونها قطعة زخرفية وتصبح لغة حيّة، مفتوحة لإعادة التأويل.

انظروا كيف تُدخل سميرة أليخنزاده، الفنانة الإيرانية، السجاد الفارسي الحقيقي إلى أعمالها — خصوصاً في سلسلة السجادة الفارسية ولاحقاً في أعمال حديقة المرايا، حيث تُراكب سجادات قديمة مع صور فوتوغرافية مطبوعة وأسـطح مرآوية.

اللافت أن أياً من ذلك لا يبدو كزخرفة. فالسجادة تعمل كمرساة — كيان ثقافي — تحمل ثقل الذاكرة والهوية وتاريخ البيت، بينما تبني هي تكويناتها.

استخدام سجادة حقيقية بهذه الطريقة يخلق نوعاً من الألفة الهادئة. ومع اقترانها بصور أرشيفية، تصبح مساحة تتداخل فيها التواريخ الخاصة والسرديات المشتركة برفق.

وُلد بور في إنجلترا لأم بريطانية وأب إيراني، ونشأ بين السجاد — إذ كان والده يدير محلاً لبيع السجاد — لذا فهذه الألفة ليست نظرية، بل مُعاشة. يمكنك أن تلمس ذلك في الطريقة التي يتعامل بها مع الزخرفة والتكرار. هو لا يُحاكي تقليداً واحداً بعينه؛ بل يتنقّل بين تصاميم فارسية وهندية وشرق آسيوية، وأحياناً تصاميم هجينة، ملتقطاً من عبر التاريخ كما يلتقط منسّقو الموسيقى (DJs) عينات الصوت.

لوحات “السجاد” التي جعلته معروفاً في البداية تستخدم عملية متعددة الطبقات: طباعة حريرية (سيلك سكرين) لنقشة أولية على القماش، ثم صنفرة أجزاء منها، وإعادة طلاء أقسام يدوياً، وترك الملمس يتراكم. النتيجة ليست سجادة حرفية. إنها أقرب إلى ذاكرةٍ لسجادة — سطح يحمل آثار العمل والاهتراء وإعادة التقديم.

مكتبي حالة مختلفة تماماً. إيوان مكتبي دار سجاد من الجيل الثالث، لكن ما يجعله مثيراً للاهتمام اليوم هو مدى سلاسة تنقّله بين الإرث والتصميم المعاصر. يعود تاريخ العائلة مع السجاد إلى عشرينيات القرن الماضي، ومع ذلك فإن الغاليري — التي تأسست في بيروت في منتصف التسعينات — لا تكتفي بحفظ التقاليد؛ بل تعيد تشكيلها بنشاط.

Through Iwan Maktabi Lab, they collaborate with artists and designers to rethink what a carpet can be. Some projects lean into experimental materials, others reinterpret classic weaving techniques, but the common thread is this idea that a rug isn’t just a domestic object — it is a cultural surface, a place where history and innovation can sit side by side.

And one of our favourite collaborations is Hypercode by Roberto Sironi. It is a perfect example of what happens when you give a designer room to explore the carpet as a conceptual object rather than a decorative one. Sironi strips away traditional ornament and replaces it with a kind of visual language — abstract marks and coded gestures that read more like inscriptions than patterns. The rugs feel contemporary, but not in the “minimalist white cube” sense; they are grounded, textured, quietly charged with intention.

Jason Seife is one of the most meticulous artists working with carpet imagery today. His paintings draw directly from traditional Syrian and Persian rug patterns — but he reinterprets them through incredibly detailed hand-painting, pointillist gradients, and a colour logic that moves away from tradition while still honouring it.

Some pieces are literal re-drawings of historic carpets, down to the border structures and medallion layouts. Others dissolve into something more imagistic — where the rug framework is still there, but the palette or the rhythm feels more personal.

Between 2017 and 2019, Jason travelled through Istanbul, Morocco, Iran, and Syria, spending time with actual carpet weavers to understand how these traditions are held. He met artisans who wove from memory and others who followed meticulous carpet maps; he watched the difference between tribal, unmapped weaving — loose, irregular, deeply human — and the precision of mapped designs where every knot is pre-counted. He noticed how natural dyes restrict and guide the palette, how limitations become part of the creativity, and how centuries-old rules quietly determine the rhythm of a pattern.

And you can see that experience in his work. Jason simply knows the system of the carpet. The patterns he paints don’t feel copied; they feel understood.

Ali Cha𧪺n is a Lebanese artist born and raised in Kuwait, and you can feel that layered identity in the way he works with carpets. He drapes them over plastic monobloc chairs (Grandpa’s Monobloc, 2023), wraps them around oversized water jugs, and even turns them into paper aeroplanes (12 PM Class, 2019) — gestures that sit somewhere between nostalgia and critique.

Cha’aban often talks about the sense of being “a stranger everywhere,” a feeling familiar to many in the Arab diaspora, and his work transforms that tension into visual form. The carpet becomes a way to think about home — not as a fixed place, but as something portable, fragile, and constantly renegotiated.

تدفع سلسلته الأخيرة، يجب أن نجسر هذه الفجوة، هذا أبعد من ذلك، إذ تتعامل مع السجادة بوصفها استعارة ووسيطاً في آنٍ واحد: سطحاً ناعماً يحاول أن يُبقي عالماً غالباً ما يبدو منقسماً متماسكاً.