تواصل الزهور الظهور في أعمال هؤلاء الفنانين اللبنانيين. يتعاملون مع الأشكال الزهرية بعناية ومودّة، ويستحضرونها عبر وسائط متعددة ولغات بصرية مختلفة.

بالنسبة إلى بعض الفنانين، تنبت الزهور من الروتين والألفة؛ ولدى آخرين، تفتح مساحة للعاطفة والتجريد. سواء عوملت بانضباط أو تُركت لتنساب في اللون، فهي تُثبّت التجربة الشخصية في مكانها فيما يتبدّل كل ما حولها.

كتبنا عن زهرة الزنبق في أعمال لانا خيّاط أكثر من مرة. بالنسبة إليها، تجاوزت الزهرة منذ زمن طويل دلالاتها المعتادة المرتبطة بالنقاء أو الرهافة. وبدلاً من ذلك، يتحوّل الزنبق إلى استعارة للتجربة النسائية — جسد حيّ تصوغه التوترات والألم والحاجة إلى إعادة البناء.

في أعمال خيّاط، لا يُخفى الضرر أبداً. ما ينكسر يُعترف به، ويُشتغل عليه، ويُجعل مرئياً. الترميم ليس شيئاً يحدث بصمت في الخلفية؛ بل يصبح جزءاً من الشكل نفسه. في هذا الاختيار قوة — في قرار إظهار الشرخ بدلاً من محوه.

يمكنكِ رؤية ذلك بوضوح في سلسلة Lilies of Marrakech ، وبشكلٍ أكبر في أعمالها الحديثة التي عُرضت هذا العام في فالنسيا ضمن El Titan in the Laboratory of Grace. في هذه القطع الجديدة، تبدأ خيّاط بخياطة الزنبق مباشرة على القماش — خطوة تبدو في آنٍ واحد بديهية وشديدة الخصوصية.

كما تشرح، انطلقت فكرة الغرز من مفهوم الترميم:

«نحن النساء نختبر الألم، لكننا ننهض من جديد. نلتئم ونواصل. بدت الغرز امتداداً طبيعياً لهذه الفكرة. فهي ما تفعلينه عندما تكون هناك جُرح».

يتحوّل الخيط إلى ما هو أكثر من مادة. يصبح إيماءة عناية، وإصراراً، وطريقة لإغلاق ما تمزّق. في ممارستها الراهنة، تعمل خيّاط بالخيط والحرير، فتقصّ المادة إلى أشكال زهرية وتخيطها على السطح. تُقرأ الأزهار كعلامات على الإصابة والشفاء في آنٍ واحد، فيما تؤدي الغرزة نفسها عملها الهادئ في جمع الأشياء معاً.

هل شاهدتِ أزهار زينة عاصي السريالية — السلسلة الأحدث التي قدّمتها ضمن Mix & Match في Galerie Tanit؟

في قلب السلسلة، أزهار في أصص: مألوفة، منزلية، تبدو راسخة في مكانها. ومع ذلك، ثمة دائماً ما يبدو خارج الإيقاع قليلاً. يظهر مقعد صغير أكثر مما ينبغي بحيث لا يبدو منطقياً. يختلّ المقياس. تلين القواعد. تبدو الزهرة حاضرة، كأنها واعية تقريباً، فيما توحي الأشياء المحيطة بأنها تحمل تواريخها الخاصة.

تستخدم عاصي هذه الاختلالات الدقيقة لاستكشاف زمن الإنتاج الكمي، وكيف تبدأ الأشياء اليومية بالعمل كأنها بورتريهات داخل المنزل. في هذه التكوينات، تكتسب النباتات والأثاث وشذرات الحياة المنزلية ثقلاً عاطفياً.

وفي لوحات طبيعة صامتة أخرى من السلسلة، تُقرن الأزهار بعظام أو حيوانات أليفة أو أسلحة لعب — في إحالات إلى «الفانيتاس» وفكرة الزوال. الحياة والموت واللعب والرعاية تتجاور جنباً إلى جنب.

تُعرف لوما رباح أكثر ما تُعرف بمناظرها الطبيعية والتشكيلات المدينية التجريدية للبنان، المرسومة بألوان جريئة وتعبيرية. تكويناتها نابضة وفورية، تقودها فتنة عميقة بجمال الطبيعة.

يتجلّى ذلك بوضوح في لوحاتها لحقول الأزهار البرّية — الخشخاش وعبّاد الشمس، ومساحات مفتوحة تغمرها الألوان. أحياناً لا تزال تخرج إلى الطبيعة وترسم ما تراه. لكن في أغلب الأحيان، تكون نقطة الانطلاق إحساساً تريد أن تضعه على القماش.

لا تخطّط للوحة مسبقاً. تعرف فقط أي الألوان تستميلها في تلك اللحظة، وفي أي مزاج تكون — لكن النتيجة النهائية تبقى دائماً مفاجأة. هذه الحرية عنصر أساسي في طريقتها. تريد أن ترسم بلا قيود، ومن دون أن تفكّر بما قد يعجب الناس أو يتوقعونه.

في أعمال كيلي حلبي، تتحوّل الأشكال الزهرية إلى كائنات تكاد تلمسينها — صلبة، ذات وزن، وراسخة. تتحدث عن الهشاشة والقوة في آنٍ واحد، من دون أن تنزلق إلى العاطفية الزائدة.

ضمن مشروع طوّرته بالتعاون مع BEIT Collective (Memories of Lebanon)، ابتكرت حلبي سلسلة من زهور معدنية مُنجزة يدوياً بلمسات نهائية. ليست هذه انطباعات رقيقة عن أزهار، بل أشكال ملموسة ومقاومة. ومن خلال صبّ الزهور في المعدن وتلوينها، تجمع بين الرهافة والمتانة — تذكيراً بأن الجمال ليس مضطراً لأن يكون هشّاً.

بالنسبة إلى حلبي، لا تتمحور الزهور حول الطبيعة بحد ذاتها بقدر ما تتمحور حول ما تحمله هذه الأشكال من دلالات. في هذه السلسلة، تعكس الزهور التاريخ المركّب للبنان. وعلى خلفية ثيمات الدمار والتجدّد، يستكشف عملها كيف تحتفظ الأطلال بآثار ما بعد الصراع، فيما ترمز الزهور إلى الصمود — وإلى إمكانية النمو، حتى بعد الانكسار.