21 May 2024
علي ممه راشد هي فنانة بصرية كويتية تركز على استكشاف الجسم. تخصص أعمالها الفنية لهذا الموضوع، حيث تعرض دائمًا خطوطًا وأشكالًا وألوانًا مذهلة. يمكنك دائمًا العثور على أعين في أعمالها — أحيانًا واحدة فقط، وأحيانًا أكثر قليلًا، وأحيانًا كثيرة. لفهم معنى فنها والتعرف على التحديات التي واجهتها، طرحنا عليها بعض الأسئلة.
— كيف بدأت استكشافك للجسد؟ ما الذي أثار اهتمامك به في البداية؟
— لطالما شعرت بأنني مجذوبة للجسد لأنه يحمل قصص الشخص. هو يحتفظ بحبي وآلامي ورغباتي وروحي. الجسد يسبح داخل نفسه ليولد إلى حالة جديدة من الوجود. الجسد الذي أرسمه وأستند إلىه هو دائمًا جسد متأصل في غير الملموس: مشاعري، ذكرياتي، وكل ما لدي. ما تراه على القماش والورق هو غير الملموس يقدم نفسه كشيء يمكننا التعرف عليه بدلاً من أن نطلق عليه ملموسًا. الترجمات التي يمكن أن تُخلق لا حصر لها. لا أرى نهاية لها، وأشعر أن هذه الحياة ليست كافية لي لرسم كل تكرار. هذا يجعل علاقتي مع الجسد أبدية بالنسبة لي، وآمل أن أهدي المشاهد؛ مدخلًا إلى جسده الخاص كمراقب وشفاء ومحبة.
— يبدو لي أن العيون غالبًا ما تكون الجزء الأكثر سطوعًا في أعمالك الفنية، الجزء الذي يجذب الانتباه على الفور. هل أنا محق في ذلك؟ هل هناك أي دلالة وراء ذلك؟
— العين هي الحارس الذي يقرر ما إذا كان سيسمح لك بدخول قصة الجسد إذا سمحت بذلك. هي المدخل إلى الذات وكل ما تحمله وتستمر في حمله. لا تحمل. هي العناق الأول الذي يبدأ بيني وبين اللوحة. أعتقد أنها تحمل الروح وتقيم في العين وتتدفق إلى الجسد. العين هي حاملة الروح، ومن خلال نظرتك ونظرتي يمكننا الدخول إلى القصة من خلالها.
— ها هي العمل الفني مع سلسلة من 14 عينًا. لماذا كل هذا العدد؟
— هذه اللوحة تعبر عن زمن انتقالي من الحزن إلى ازدهار جديد. بسبب فقدان عانيته العام الماضي، جلست في حزني لمدة 14 يومًا بعد حدوثه. لقد احتفظت بحزني، الذي هو الغربان، وأطلقتهم من أجل الوصول إلى حالة من السكون وبريق من الأمل المتجدد تجاه نفسي. السلسلة هي نقطة اتصال بين حالتين، وليست مقسمة أو مكسورة لأنه، خلال طيف الشفاء، لم أفقد نفسي أبدًا. لطالما كنت متجذرة في داخلي، ولهذا، شعرت بالفخر بنفسي، وكانت تلك لحظة اعتراف. من النادر جدًا أن أعلن ذلك على القماش؛ لحظة فخر. السلسلة هي إعلان عن الحب تجاه جميع حالات نفسي وهذه التجربة التي ترجمتها كفقدان في ذلك الوقت ولكنني تعلمت أن أراها كحب وافر. لقد تعلمت ما يمكن أن يكون عليه الحب الوافر وكيف يبدو من خلال هذه اللوحة؛ حب يقبل.
— You and your father used to illustrate and create stories and zines together. Do you remember those zines? What colours were they predominantly? What kind of images did they feature?
— They were absolutely humorous, witty, and lighthearted. We would draw and narrate stories about a rebellious little girl who would steal candy from the grocery store or spill the stew her mother cooked on her head. We actually drew the stew story together, and my aunt loved it so much that she had to have the original copy. They were simple coloured pencil drawings, and the little girl had pigtails or braids, I can’t remember which exactly. We drew the girl mostly in her house. My dad would come up with the funniest stories that he would improvise every single day before I would nap or go to bed. He also took me to a bookstore near my school on Thursdays to buy stories such as Juha, which were centred around humour, storytelling, and folklore. To this day, my dad calls me to improvise a silly story, and that has always influenced me to say my own. His improvisation split into my method of storytelling. The story spills out of me. It is never planned. It might have been contained within me for a long period of time, but I never sketched my work. I like to surprise myself because I trust that my history is all within me. One gesture took me all my life to birth, and faith lies there.
— You and your mom used to paint together, often portraying a woman sitting on a park bench surrounded by tulips, gazing at the sun. Does this image hold any special meaning for you?
— My mom is a romantic and a quiet one. Her flowers, the park bench, and the woman are quiet and delicate. These images are so rooted within me that I find myself belonging to them like my own skin. That is how I love and want to be loved always, just like my mom. It is a clear expression yet somewhat shy, just like a pink tulip. Romance is always present in my work. I paint myself but I am also speaking about someone else at the same time. It can be a specific person, someone I hope to meet, or someone I will never meet.
— What do your parents do?
— My parents are dreamers, hard workers, and the very reason why I am who I am today. They love each other deeply and have worked so hard to raise me and my siblings into our element.
My dad is a writer, and researcher, and has worked in human rights associations. He also delved into the art and creative industry in Kuwait as a consultant at the National Council for Culture, Arts, and Letters in Kuwait. He has the biggest heart and has not only supported me in every way but has also done so for many artists, writers, musicians, and creatives. His empathy inspires me and reminds me what is the purpose of creating: to give to others. My dad was also a refugee during the Iraq invasion and was held captive for months. This experience has also shaped him into a man with patience, perseverance, and integrity. He is the greatest storyteller I will ever know, and I am forever grateful for that.
My mom is a student of life. Her determination inspires me because she is able to lift and build a whole world beyond ours. She taught me what it means to pave my path, to caress my element, to sharpen my strengths, to work on my weaknesses, to hold empathy while being strong, and to shine in my truth. My mom studied economics and worked in the Public Authority for Civil Information in Kuwait. She was diligent and has worked as a manager there for years. She learned IT, programming, and management there from the ground up. My mom also designed traditional Kaftans for years and still does so. She is my greatest second eye. She is my greatest art critic. She has an eye like no other.
— Artists tend to go through various stages in their creative process. Do you have distinct stages? How would you describe them?
— I go through different stages within each work I create since each work is instinctive and led by sensation. However, it starts with an image that is derived from a sensation along with things I have witnessed within my everyday life that I find myself connecting subconsciously to the image. I paint the image immediately in my head, and then I allow myself to elevate the story of the image by letting the first layer rest in my head for a day or sometimes a few hours. I then focus fully on each component of the painting, from the figure, to the symbols and to the space. I immerse myself so deeply, and I sometimes transform into what I am painting and live it. Time stops for me and I feel like I can hold my sensation beyond time. I somehow end up seeing what I am painting during my everyday life while I am working on a particular piece. I like to indulge in this immersion, and I live through it till the very last gesture I make on the canvas. I then take one step back and let the work speak for itself when it is complete. In other words, the piece becomes independent, but I am still holding its hand.
— Growing up, you faced difficulties in school due to bullying. Could you share your experience? How were you bullied, and for what reasons? When did it finally stop? Art became your sweet escape from a difficult reality. What did you paint at that time?
— I have always been the quiet kid in school and have worked on making art during all the art classes I took at the school as well during breaks. I was made fun of for my voice, my curly hair, and simply not fitting in. I have always remained vocally quiet about it, yet within, I knew this was a temporary situation because I would get to choose my environment, my people, and how I would like to express myself. I felt the fire within me, but it was tamed at the time because I was intimidated and fearful of the other kids in school. I am still extremely grateful to have received a fruitful education experience and to have met certain teachers and students who have welcomed me with open arms and have supported my passion. I used to paint figures as well, but they were more futuristic and somewhat cyborgian. I painted everything with the tiniest brush back then, unlike now. The small brush to me was a symbol of my tamed self back then. The cyborgian figures were perhaps evoking a yearning to escape and align myself with who I felt like I was on the inside.
The table turned for me completely once I graduated from high school and applied to art schools in the US. I settled on the School of Visual Arts and I blindly threw myself to New York even though I was absolutely terrified. A voice in me told me to do so, and I knew I had to. My tiny brush was replaced with a giant house paint brush, my canvas paper was turned into a 2-meter canvas, and my soul was singing. I found myself challenged and pivoting daily in every passing second, and even though it was foreign to me, it felt absolutely right, and I nourished it while caressing where I come from. That is how I like to live to this day; savouring my roots and welcoming new experiences. This intent took me to work in galleries, and museums, and to pursue my MFA at Parsons, and before I knew it, I spent seven years in New York.
— These two works are very dear to me because they were my very first monotype paintings and prints. During my second year in grad school, I took a monotype print class with Tom Butter, an incredible artist who worked with printmaking and sculpture. Tom introduced me to monotype printmaking, and it has drastically elevated my painting practice. I treated every print with a space of surprise. I would paint these narratives revolving around a yearning for a lover, a shedding of my past self, and Mohamed Abdulwahab lyrics. I want to paint the screens for two hours and be surprised by the result. That gifted me so much freedom and joy, and have treated the paintings I create to this day with the spirit of the monotypes. I am extremely excited to create a series of monotype paintings in my studio soon since I finally invested in a monotype press.
— This piece, "My Reds Will Grow A Strawberry Field," is amazing. Is it something new you have created? Could you share the story behind the process of creating this artwork?
— This piece emerged out of purging past grief and birthing hope and sweetness. It is about surpassing chaos and it is an ode to myself and in reference to the Palestinian strawberry field. It is an act of solidarity that cherishes the sweetness of the land and the sweetness of its soul. This piece is a four-panel watercolour with dry pastel details. It stages the strawberry growing out of the figures, exploding, and being tied to the homebody. Each body circulates through the other to create a fluctuant process of transformation, lushness, and a sense of ownership of one’s self. This piece held my body physically since I was on top of it when creating it and it requires my whole body to be present. The process itself is the rooting and the happening. Glimpses of it can be seen in the video shared on Tabari Artspace, along with an interview that dives into the intricacies of this piece. This piece sends a message that through your chaos, hurt, and grief, which I see as Red, can grow something beyond itself; a bitterness that birthed sweetness.
"ستنموا حقلي من الفراولة" من تأليف أليمانة راشد
— يبدو أن استوديوك هو فريد من نوعه. كيف تصفين المشاعر التي تشعرين بها عندما تقضين الوقت هناك؟
— أنا ممتنة للغاية لوجود استوديو خاص بي، وهو الاستوديو الرئيسي لي حالياً. أرغب في الحصول على استوديو ثانوي في الأراضي الزراعية التركية في المستقبل. الفضاء يحدد العمل الذي سأنتجه ويحمل جوهر ممارستي. جدراني هي دفتر رسم، حامل لشعري، وحوامل للزمن. أعلم من أين جاء كل انسكاب على أرضيتي، ويحمل القطع التي غادرت استوديوي. استوديوي لديه سقف منخفض، والآن قمت ببناء تمديد جديد لديه سقف أكبر. ومع ذلك، كنت قادرة على إنشاء لوحات بعرض 6 أمتار في فضائي. أنا معتادة على العمل مع القيود بسبب العمل في مساحات صغيرة في نيويورك لمدة سبع سنوات. من مساحات الاستوديو الصغيرة في المدرسة إلى شقتي الصغيرة، وغرفة نومي في السكن، وسطح تحت الإنشاء في مجمع شقق. أرى هذه القيود المكانية كعامل توسيع لأنه يكاد يكون فضاءك، مما يثبت لك كم يمكنه أن يحمل. الاستوديو هو المكان الذي سأغادر فيه الأرض مع الزائر لفترة؛ حامل للانسكابات.
— ما هي القصة وراء النقش على السقف؟
— تم رسم هذه الماندالا بواسطة صديق والدي، وهو رسام جداريات. مساحة استوديوي تقع في منزل عائلتي. كانت تلك المساحة تحتوي على جميع الآلات والمدافئ والأنابيب في منزلنا. قام والداي بتجديدها قليلاً وتحويلها إلى مخزن. بعد سنوات، تم تحويلها إلى ديوانية مغربية، وتمت رسم الماندالا حينها. عندما عدت من نيويورك، رسمت في هذه المساحة، وكان هناك تأثيرات الديوانية واضحة في لوحاتي من عام 2019. خلال جائحة كوفيد، قمت بطلاء الجدران باللون الأبيض وتركت الماندالا فقط، ونوافذ الزجاج الملون، والنقوش على رف الكتب المدمج. الماندالا مثل بوابة إلى حالة من العزلة. تركزني في الفضاء وتحمل كل حدث. إنها عين الاستوديو.
— هل يمكنك أن تشاركينا ما الذي تعملين عليه الآن؟
— أنا حالياً أعمل على لوحات بطول 4 أمتار لأشجار بلا أوراق من الأحمدي، ورسم ربيع الكويت العابر من الذاكرة على قماش 3 أمتار، وسأعمل قريباً مع مكبس المونوتيب. كما أعمل على بعض المشاريع السرية التي سيتم الإعلان عنها بحلول سبتمبر وأوائل 2025. أعتزم تنظيم بعض العروض وإطلاق كتاب شعر في عام 2025. أتعامل مع كل يوم كما يأتي، وأستمتع بتلقي الفرص غير المخطط لها.
— أنتِ أيضاً تقومين بعمل تماثيل صغيرة. متى بدأتِ بذلك؟
— بدأت في صنع التماثيل في عام 2020. تضيف إحساساً بالحركة إلى شخصياتي، وهي مصنوعة من أطراف أصابعي. أحياناً، ترافق اللوحات، وأحياناً، تجلس بهدوء في استوديوي كحوامل لقصة أو لوحة معينة.
— جميع التماثيل التي رأيتها تحمل هذه الأسماء: "سأكشف عن إشعاعي لدخول روحك (خذ ذراعي)"؛ "سأحتفظ بك إلى الأبد (لمسات لا نهائية)"؛ "أختار أن أحملك فوق جسدي (أنت منزلي الوحيد)". من هو هذا "أنت"؟
— "أنت" لدي هو قابل للتبادل ويتغير كل الوقت. أحياناً أكون أتحدث إلى ذاتي العليا، أو ذاتي الماضية، أو الله، أو شخص عزيز. يتغير ويتقلب ليمنحك القدرة على تخصيص "الأنت" لنفسك كمشاهد، موسع العمل. "أنت" الخاص بك و"أنت" الخاصة بي تطيل عمر العمل.
/medium_Vian_Sora_Olivine_2024_Oil_on_canvas_with_mixed_media_Diptych_Courtesy_of_Third_Line_Gallery_6c2170cd1d.jpg?size=99.99)
ArtDubai
أسبوع الفن في السركال 2024: الاحتفال بقوة الاتصال
17–25 نوفمبر: المعارض، التركيبات العامة، وأكثر في أفضل شارع
by Sophie She
19 Nov 2024
/medium_ABDOU_Fields_by_the_Canal_1dea2b92d8.jpg?size=113.62)
ArtSharjah
إعادة تعريف عمل النساء: معرض جديد في مقر BEEAH
معرض من مؤسسة بارجيل الفنية تحت إشراف نور حاج يستمر من 9 نوفمبر 2024 إلى 16 يناير 2025
by Sophie She
14 Nov 2024
/medium_Frame_1632_ebd3d4351e.jpg?size=56.23)
EventsMusic
هذه هي آخر دعوة لكم لمهرجان اختبار الجمهور
لم يتبق سوى بضعة أيام - تحقق من الجدول الزمني، أحضر أصدقائك، ودعونا نلتقي في 16 نوفمبر!
13 Nov 2024
/medium_berezhnoyme_7372_1_7060070708.jpg?size=91.5)
DubaiArt
إقامة الروابط: مستوى الأحذية و سوهو هاوس حول الثقافة والمجتمع
احتفالاً بعقد من التصميم والابتكار والمجتمع في أسبوع دبي للتصميم
by Sophie She
12 Nov 2024
/medium_pr_11_inner_2bebfd5704.jpg?size=45.53)
ArtEvents
بيناليات الشرق الأوسط: في أي مرحلة هم الآن؟
وما هي أسماء الفنانين الذين يجب أن نعرفهم بالتأكيد الآن؟
by Anton Krasilnikov
11 Nov 2024
/medium_BMW_Group_Middle_East_x_AB_AC_Architects_2_457b646568.jpg?size=86.5)
DubaiArt
أسبوع دبي للتصميم: استكشاف آرت بازل الخاص بدبي والمبدعين المحليين
استكشاف النسخة الاحتفالية من أسبوع دبي للتصميم الذي يحبه الجميع. لا تفوتوه قبل 10 نوفمبر!
by Sophie She
7 Nov 2024