Aude Abou Nasr هي رسّامة ومحرّكة فرنسية-لبنانية، يمكن تمييز أعمالها على الفور تقريباً بفضل لوحتها اللونية المتفرّدة. للوهلة الأولى قد تبدو خفيفة—كأنها تنتمي بسهولة إلى عالم الرسوم المتحركة، ناعمة وبصرية رقيقة. لكن كلما أطلتِ/أطلتم التمعّن فيها، بدأت تتكشف أكثر. بعض الأعمال يحمل توتراً هادئاً، وأخرى تبدو كأنها تنبع من حاجة إلى التعبير عمّا يصعب وضعه في كلمات، وأحياناً تشبه شيئاً يمكن التمسّك به حين لا يستقر أي شيء آخر تماماً.

ما بدأ كميلٍ بسيط نحو الصورة أكثر من الموسيقى، أخذ يتشكّل تدريجياً—أولاً عبر العمارة، ثم لاحقاً عبر الرسم. وقد صاغت مسارها تعاونات ذات معنى، ولحظات من وضوحٍ صعب، وعلاقة مستمرة وشديدة الخصوصية مع ممارستها الفنية.

تعرّفوا إلى أود.

— لنبدأ من البداية — هل يمكنكِ أن تخبريني عن طفولتكِ وكيف بدأت علاقتكِ بالفن؟

— لم يكن أحد في عائلتي فناناً، لكن والديّ كانا يبذلان دائماً جهداً حقيقياً ليمنحاني أنا وأختي فرصة الوصول إلى أمور لم تتح لهما بالضرورة — خصوصاً حين يتعلق الأمر بالإبداع. في الواقع، عزفتُ على الفلوت نحو ثماني سنوات قبل أن أدرك أنني أميل أكثر إلى الجانب البصري، وعندها بدأتُ الرسم، بخجل في البداية.

وقادني ذلك تدريجياً إلى دراسة الهندسة المعمارية في سن السابعة عشرة. كنتُ مفتونة بكيفية عيش الناس، وبالطريقة التي يمكن أن تحمل بها المساحات ذاكرةً وتختزن نوعاً من الثقل العاطفي الهادئ. وفي الوقت نفسه، وجدتُ نفسي شيئاً فشيئاً خارج إيقاع بنية البرنامج الدراسي، وخارج انسجامي مع البيئة الباريسية المحيطة به. كانت هناك لحظات علقت في ذاكرتي — لطالما أحببتُ الخرائط مثلاً، وكنتُ منجذبة بشكل خاص إلى تصميم الديكور — لكن الرسم نفسه ظلّ في الخلفية قليلاً، من دون أن يتصدر المشهد تماماً.

لم أبدأ التعامل مع فن الإيضاح بجدية إلا عندما بلغتُ السادسة والعشرين. كنتُ أعاني بعض المشكلات الصحية آنذاك، ما دفعني إلى إعادة النظر في مساري في تصميم الديكور، ومنحني هذا التحول مساحة لأقترب من الرسم بانفتاح أكبر. صار وسيلة لاستكشاف ما أشعر به — ما كان يسبب لي الإحباط، وما كان يحزنني — ومن هناك بدأت الأمور تتكشف بشكل طبيعي جداً. وعندما أعود بذاكرتي إلى الوراء، أشعر بامتنان كبير للطريقة التي تضافرت بها كل التفاصيل.

— كيف تتشكل عمليتكِ الإبداعية عادةً؟ قرأتُ أنكِ غالباً ما تبدئين بسكتشات بالأبيض والأسود قبل الانتقال إلى العمل الرقمي — هل ما زال هذا أسلوبكِ اليوم؟

— نعم، إلى حد كبير — هذا الجزء لم يتغير فعلاً. مع الوقت أدركتُ أنني بحاجة إلى البدء على الورق كي يستقر التكوين كما ينبغي. إذا بدأتُ رقمياً على شاشة فارغة، أفقد الاتجاه بسرعة. هناك شيء في العمل داخل دفتر ملموس — الرسم، والتعديل، وتجربة الأفكار — يجعل العملية كلها أكثر رسوخاً.

عادةً ما أمرّ بعدة مسودات سريعة قبل أن تبرز واحدة منها، ثم أطورها أكثر — إما بتنقيحها رقمياً أو بالاستمرار يدوياً. ومن هناك أنتقل إلى اللون، عبر تقنيات رقمية أو بالألوان المائية، بحسب العمل.

تدريجياً، اتجهتُ أكثر نحو العمل الرقمي لأسباب عملية، خصوصاً في الأعمال المُكلّفة — فهو ببساطة أكثر كفاءة. لكنني ما زلتُ أقدّر كثيراً حين يتخذ المشروع شكلاً مادياً. عملتُ على أوشحة حريرية مع العلامة اللبنانية Tash&Ley، وعلى قطعة كبيرة من الكتان لجناح العمارة اللبناني في متحف بيروت الوطني، وعلى أعمال مطرزة بالتعاون مع Rana Balsan في The Fig Tree.

غالباً ما يبدأ العمل على الورق، ثم يمر بمرحلة رقمية، قبل أن يتحول إلى شيء مختلف تماماً في صورته النهائية. وفي الآونة الأخيرة، بدأتُ أيضاً استكشاف الرسم على السيراميك، وهو مجال له إيقاعه وقيوده الخاصة. لذا، خلال العام الماضي تقريباً، كان الأمر يتمحور فعلاً حول التوسع في خامات مختلفة ورؤية كيف يمكن للعمل أن يتطور عبرها.

— أعمالك تتميّز بلوحة ألوان فريدة — هل هناك سبب وراء هذا الاختيار؟

— نعم، بالتأكيد — بالنسبة لي، غالباً ما يعود الأمر إلى اللون البنفسجي. إنه لون شديد التعقيد، وليس من السهل تعريفه. ثمة قدر من الغموض يحيط به — لا يكشف عن نفسه فوراً، بل يحتاج منك أن تمكثي معه قليلاً.

وأنا أحب أيضاً التوازن الذي يجمعه بين الدفء والبرودة؛ قد يبدو حميماً وفي الوقت نفسه بعيداً قليلاً، وهو ما أجده باعثاً على السكينة. عادةً ما أفكّر في اللون بوصفه مرتبطاً بما أحاول التعبير عنه في العمل — أي مساحة شعورية أريد له أن يحتضنها.

يتيح لي البنفسجي تحقيق ذلك من دون أن تصبح الأمور ثقيلة أكثر من اللازم. فهو قادر على حمل الحزن وومضة الأمل معاً، وعندما يقترن بدرجات أكثر هدوءاً، يترك مساحة للناس كي يضيفوا مشاعرهم الخاصة إلى العمل، بدلاً من أن يكون كل شيء محدداً بوضوح شديد.

— كثير من أعمالك يتناول موضوعات تاريخية وسياسية أكثر ثقلاً في الشرق الأوسط. كيف تفهمين دورك في سرد هذه القصص؟

— أعتقد أن الأمر بدأ من شعور بالإحباط، بصراحة. كثيراً ما كنت أشعر بالعجز وأنا أرى كيف تُشوَّه الحقائق — خصوصاً حين يتعلق الأمر بمنطقة ترتبط ارتباطاً وثيقاً بخلفيتي الشخصية. نشأت في عائلة كان الشرق الأوسط جزءاً من حكايتها، لذلك ظل هذا الرابط حاضراً دائماً.

وفي مرحلة ما، شعرت بالحاجة إلى أن أردّ — أن أتفاعل مع ذلك بطريقة تبدو أكثر صدقاً، وأن أحاول إنصاف منطقة كثيراً ما يُساء فهمها وتُوضع تحت الضغط.

بالنسبة إليّ، يصبح الفن وسيلة لتجاوز الكلمات — لفتح مساحة لما يصعب التعبير عنه مباشرة. وبلاد الشام، على وجه الخصوص، مهمة جداً بالنسبة لي. فهي جزء من ثقافتي، لكنها أيضاً منطقة شديدة الثراء، وفي الوقت نفسه مؤلمة بعمق أن تكوني على صلة بها.

والاشتغال على هذه الموضوعات جزء من طريقتي في استيعاب هذا التعقيد — ليس بهدف شرحه بالكامل، بل لمجرد الجلوس معه، وجعله مرئياً بطريقة ما.

— شاهدتُ عملكِ الأخير على كتبٍ مطبوعة للأطفال النازحين في لبنان — مبادرة جميلة. ما نوع الرسومات التي أنجزتِها لها، وكيف وقع الاختيار عليها؟

— في الحقيقة بدأت الفكرة ببساطة شديدة: أنا وأختي وعدد من الأصدقاء. أطلقنا مبادرة باسم Alwen w Ahlem، نرسم من خلالها كتب تلوين ونطبعها ونوزّعها على الأطفال النازحين في لبنان خلال الحرب.

عملتُ إلى جانب مجموعة من الفنانين على كتاب تلوين بعنوان Haywanet Lebanon — أي Animals of Lebanon. وهو مشروع جماعي يجمع رسّامين من مختلف أنحاء البلاد، بحيث يتفاعل كلٌّ منهم مع موضوعات مرتبطة بمنطقته. بعضهم ركّز على الحيوانات، وآخرون على الأزياء التقليدية، أو النباتات والزهور، أو الطعام، بل وحتى العادات الثقافية المشتركة بين لبنان وفلسطين وسوريا.

كانت الفكرة وراء المشروع مباشرة وواضحة. فمن جهة، أردنا أن نُشعر الأطفال بأن هناك من يهتمّ بهم بصدق في مختلف أنحاء لبنان. ومن جهة أخرى، كان الهدف إعادة وصلهم، بلطف، بجمال البلد — حتى لو بدا من الصعب رؤيته بهذه الطريقة الآن. ومع عدم قدرة كثير من الأطفال على الذهاب إلى المدرسة، تمنّينا أيضاً أن يقدّم لهم شيئاً ممتعاً، وفيه قدر بسيط من الفائدة التعليمية، وسط هذه المرحلة القاسية للغاية.

كما حالفنا الحظ بالتعاون مع بعض الجهات الرائعة — Reman التي تدعم العاملات والعمال المهاجرين، وMan wa Salwa في بيروت، وHumans of Dahieh الذين ساعدونا في إيصال الكتب إلى الجنوب في وقت كانت فيه الجسور تُقصف والطرق لم تكن آمنة للاستخدام فعلاً.

أنا ممتنّة جداً لكل من شارك — خصوصاً أصدقائي وأختي، الذين ساعدوا في تحويل الفكرة إلى واقع على الأرض: Bénédicte Aboul-Nasr وChiara Zakhia وPresica Chaar. وأودّ أن أخصّ بالذكر Zahraa Al Jundi وJana Hamed، اللتين كانتا من أوائل من آمن بالفكرة وبدأتا بالإبداع والتنفيذ.

— بصفتكِ فنانة فرنسية-لبنانية، تتناول أعمال كثيرة لكِ أحداثاً في سوريا وفلسطين. كيف تفهمين شخصياً دوركِ في رواية هذه القصص؟

— أعتقد أن رفع الصوت في وجه الظلم مسؤولية مشتركة — خصوصاً حين يمسّكِ أو يمسّ من حولكِ. بالنسبة إليّ، باتت فلسطين ترمز إلى ما هو أكبر بكثير من حدودها. لديّ عائلة من سوريا، وقد نشأتُ وأنا أسمع حكايات عمّا يجري هناك.

ومع تقدّمي في العمر وبدئي بالتعرّف إلى سوريين وفلسطينيين بنفسي، شعرتُ بحاجة قوية إلى تقديم أعمال تعكس مدى ترابطنا الحقيقي، لا الصورة التي كثيراً ما تُقدَّم عنا — كأننا منفصلون.

اليوم، هناك الكثير مما يدفع من حولنا نحو الانقسام. لكنني أرى أن من المهم أن نواصل تذكير بعضنا بأننا لسنا منقسمين حقاً — قصصنا متشابكة، وكذلك كثير من معاناتنا.

— تعاونتِ في عدة مشاريع. هل يمكنكِ أن تخبرينا عن Hybrid Memory مع عامر البرزاوي — ما الذي يستكشفه وكيف تطوّر؟

«Hybrid Memory» هو بالدرجة الأولى عمل عامر — تركيب فيديو يتأمل الذاكرة الرقمية، والمنفى، والاقتلاع. وُلد في دمشق واضطر إلى المغادرة عام 2010، ويقيم العمل في تلك المساحة الرمادية بين الاثنين: بين ذكريات ملموسة عشناها فعلاً، وأخرى أكثر تفتتاً تكاد تكون ضبابية، تعيش في العوالم الرقمية. ويلامس معنى أن يمتد إحساسك بالبيت عبر مناطق زمنية مختلفة، وأن يبقى متماسكاً عبر مكالمات الفيديو وروابط بعيدة مع العائلة.

عملتُ على الرسوم التوضيحية الخاصة بالقطعة. أمضينا وقتاً نتحدث عمّا كان يشعر أنه الأهم بالنسبة إليه، وراجعنا صوراً وذكريات لها ثقلها، وفي مرحلة ما ذكر أنه يرغب في إدراج سجادة. لطالما جذبتني طرق بديلة لرسم الخرائط — ليس جغرافياً، بل عاطفياً — لذلك اقترحتُ ترجمة ذكرياته إلى خريطة بصرية؛ شيء يمكن أن يقف بين الرقمي والمادي، بين ما فُقد وما لا يزال يتمسّك به. إنها قطعة رقيقة جداً في جوهرها، عن البقاء على اتصال رغم المسافة.

— أنتِ منخرطة في عدد من المشاريع ذات البعد الاجتماعي. ومن بين ما لفت الانتباه تعاونكِ مع Gal-Dem لتسليط الضوء على الانتهاكات داخل صناعة الموسيقى. هل يمكنكِ أن تخبريني أكثر عن كيفية تشكّل هذا التعاون؟

— تواصلت معي Gal-dem بشأن هذا المشروع. كنا قد تعاونّا سابقاً، وأعتقد أنهم كانوا يبحثون عن شخص سبق له العمل على قصص تتمحور حول العنف والإساءة. تحوّل الأمر إلى تعاون مدروس بعناية؛ إذ أمضينا وقتاً نفكّر في كيفية إنصاف أصوات المعنيين، مع الحفاظ على هوياتهم مجهولة، وفي الوقت نفسه إتاحة المجال لأن تُرى شهاداتهم وتُسمع.

وبالتوازي مع ذلك، عملتُ هنا في لبنان مع Egna Legna على قصص عن العنف الجنسي الذي يطال العاملات والعمال المهاجرين، كما تعاونتُ مع صحافي سوري يوثّق التعذيب الجنسي داخل سجون الأسد. إنه موضوع صعب وثقيل في كثير من الأحيان، وقد انخرطتُ فيه بطرق مختلفة على مرّ الوقت، لكنه أيضاً مما لا يزال يحتاج إلى أن يُقال ويُناقش. إن وضع الثقة بي لسرد هذه القصص يحمل قدراً كبيراً من المسؤولية، وهو أمر لا أتعامل معه باستخفاف.

— بعض مشاريعك تتناول موضوعات حسّاسة أو صعبة. لو كان عليكِ الاختيار، أي عمل يبدو لكِ الأكثر أهمية على المستوى العاطفي؟

— هذا سؤال صعب. أعتقد أنّ كل ما يتصل بلبنان هو الأكثر خصوصية بالنسبة إليّ في النهاية. منذ طفولتي وأنا أحمل شعوراً معيّناً تجاه البلد — ربما لأنني نشأت خارجه، مع بقاء عائلتي هناك، ولأنني تربّيت على محبته بعمق.

لقد منحني لبنان الكثير، رغم كل الألم المرتبط به. كان دائماً جزءاً مني، وسيبقى كذلك. لذلك، سواء كان الأمر يتعلق بعمل «فينيسيا»، أو بالعمل الأخير الذي جاء كردّ على الحرب، أو بكتب التلوين — فهناك تحديداً يستقر الثقل العاطفي بالنسبة إليّ في هذه المرحلة.

وفي الوقت نفسه، فإن أي تعاون يضع فيه شخص ما ثقته بي لأترجم بصرياً شيئاً بقدر خصوصية عالمه الداخلي يعني لي الكثير. لحظات الثقة تلك لا تبدو صغيرة أبداً.

— تبدو بعض سلاسل أعمالك أخفّ وأكثر حالميّة، مثل «Daydreams» و«Nightscapes». كيف وُلدت هذه المجموعة؟

— انطلقت من مساحة شديدة الخصوصية. وصلتُ إلى مرحلة شعرتُ فيها بأنني بحاجة إلى الابتعاد عن الأعمال المرتبطة مباشرة بالسياسة أو بحال العالم. كان ذلك، بطريقة ما، وقتاً فاصلاً بين حربين، وراودني إحساس بأنني أحتاج إلى استراحة من الانخراط الدائم في موضوعات أثقل.

في تلك الفترة، كانت تراودني أحلام شديدة الوضوح، ووجدتُ نفسي أُعالج الكثير من الأمور عبرها. كما كنتُ أتحدث كثيراً عن الأحلام مع صديقتي رزان الحلو، التي تمتلك فهماً عميقاً لهذا الحيّز، ومع الوقت بدأت الصورة تتكوّن تدريجياً وبشكل طبيعي.

وعندما دعتني Tota Beirut للمشاركة في معرض، قدّمتُ سلسلة أعمال تتمحور حول الحيوانات والأحلام، إلى جانب مجموعة بطاقات تاروت أعمل عليها. كان الأمر أشبه بمنح نفسي إذناً للجلوس مع شيء أكثر رهافة — شيء لا يحتاج إلى تبرير نفسه أو الرد على العالم. مجرد جمال وخيال وقليل من أحلام اليقظة.

— هل هناك عمل فني تشعرين بأنه شخصي جداً بالنسبة لكِ — شيء لم يُنجَز لمشروع ما، بل لنفسكِ فقط أو لشخص مقرّب منكِ؟

— نعم، بالتأكيد أعمالي بالألوان المائية. أبيع الأعمال الأصلية، لكنني لا أقبل تنفيذها بتكليف، لذا تبقى مساحة تخصّني بالكامل. هناك أستطيع أن أبطئ إيقاعي، وأن آخذ وقتي، وأن أستمتع بالعملية كما هي من دون أي ضغط — لا مواعيد نهائية ولا توقّعات.

وبطريقة ما، يعيدني ذلك إلى أكثر ما أحبّه في الرسم التوضيحي: أنه يمكن أن يكون أداة للتعبير عن المشاعر وتنظيمها. كانت هناك لحظات بدا فيها كل شيء ثقيلاً على نحو خاص، والعودة إلى هذه الممارسة ساعدتني فعلاً على التمسّك بشيء ثابت. وأعتقد أن في القدرة على ابتكار صور تدعو الآخرين إلى أن يحلموا معكِ شيئاً مميزاً للغاية.

ولأن هذه القطع أكثر حميمية، فهي قريبة جداً من قلبي.

— كثير من الفنانين يمرّون بمتلازمة المحتال. هل شعرتِ بذلك يوماً، وكيف تعاملتِ معه؟

— نعم، طبعاً — كنتُ في السابق مشلولة تماماً بسببها. لم أدرس الفن بشكل أكاديمي، وغالباً ما وجدتُ نفسي محاطة برسّامين توضيحيين ينتمون إلى خلفيات فنية أو فكرية جداً. كان هناك دائماً ذلك الصوت في رأسي الذي يقول إنني لا أنتمي تماماً — وأنني لا أملك التدريب المناسب، ولا الأساس الصحيح لأكون هناك.

أعتقد أن هذا الشعور ما زال يأتي ويذهب، لكنني تعلمتُ أن أتصالح مع مساري الخاص. بل إنني صرتُ أشعر بالفخر بما بنيته، تحديداً لأنني لم آتِ من ذلك العالم.

تطلّب الأمر الكثير من العمل، وقدراً من العناد، لكنه منحني أيضاً الكثير — سواء على مستوى ما تعلمته أو الأشخاص الذين التقيتهم في الطريق. لم تكن لدي شبكة أمان من العلاقات أو تعليم رسمي، لذا كان عليّ أن أكون واعية ومصمّمة في الطريقة التي أتعامل بها مع الأمور.

وفي النهاية، استطعتُ أن أبني شيئاً ذا معنى عبر الرسم، بغض النظر عن لحظات الشك تلك — وهو ما يجعل الأمر، بطريقة ما، أكثر شخصية.