image
InterviewArtPeople

by Alexandra Mansilla

H11235: 'فن الشارع يمتلك قوة فريدة لا تحصل عليها على اللوحة'

1 Jul 2025

وجوه ضخمة على جدران المدينة. لمسة من الخط العربي. أيادي ضخمة. حيوانات عملاقة.
كيرن مهرجن (المعروف باسم H11235)، هو فنان شارع ورسّام جدران من نيبال، يخلق أعمالاً رائعة من شأنها أن تدهشك تماماً. هو مزيج من كل شيء — يمكنك الوقوف أمام واحدة من جدارياته إلى الأبد، تتأمل كل تفصيل وتحاول فهمها بالكامل.
في الرابع من يوليو، سيشارك في معرض جديد تحت اسم 'نو تريس باسنج' في مؤسسة إشارة للفنون، حيث سيعرض عمله الأخير 'معضلتنا الأنثروبوسينية'.
قبل ذلك، قررنا التحدث معه عن القطع التي تشكل فنه — لماذا يجمع جميع التفاصيل مثل الأحجية، كيف بدأ، وما الذي يخطط لعرضه لنا في المستقبل.
— كيرن، صادفت مقابلة أجريتها قبل حوالي عشر سنوات تطرقت فيها إلى رحلتك الفنية. ذكرت أن التلفاز كان له تأثير كبير عليك في ذلك الوقت، على الرغم من أنك لم تكن تعلم أنك ستصبح فناناً في النهاية. ما نوع البرامج التي كنت تشاهدها في ذلك الوقت؟
— كنت أشاهد الكثير من التلفاز. في كل فرصة أتيحت لي تقريباً! لم تكن هناك العديد من القنوات في ذلك الوقت، لذلك أصبحت مهتمًا للغاية بالرسوم المتحركة، وكذلك مشاهدات العديد من برامج ناشونال جيوغرافيك وديسكفري – بشكل أساسي، أي شيء يتعلق بالطبيعة والحياة البرية. كنت معجبًا ضخمًا بستيف إروين من أستراليا، وشاهدت العديد من برامجه. عمله ترك تأثيراً دائماً عليّ في سنوات لاحقة.
فيما يتعلق بالرسوم المتحركة، أتذكر بشكل خاص مشاهدة "الشجاع كلب الجبان".
كما أتذكر عندما كنت طفلاً، كان لديّ دفتر رسم، وكنت أحاول رسم الشخصيات المختلفة التي أراها على التلفاز. كان الأمر دقيقاً للغاية — كنت أحاول رسم شخصية في وضع معين، ثم أشاهد العرض، وكلما عادت الشخصية إلى ذلك الوضع، كنت أتذكر بضعة خطوط، أرسمها بسرعة، وأستمر في الرسم.
image

أنا هنا (2019)

— وأيضاً، كان لديك معلم لعب دوراً كبيراً في حياتك.
— نعم، كان لديّ معلم، بارا. كان هذا عندما كنت في حوالي السادسة عشرة من عمري. ما يجعله مختلفاً هو أنه في كل مرة نسأله أسئلة، مثل كيفية رسم شكل، لم يكن يعطينا إجابات مباشرة. كان يجيب دائماً بطريقة فلسفية مما جعلنا نفكر بأنفسنا. وجدته ذلك مدهشًا للغاية.
كان يأتي إلى مدرستنا ليعلِّمَنا، وفي النهاية، بدأت بالذهاب إلى استوديوه بعد المدرسة. كنت أبقى هناك لمدة ساعة تقريبًا، أرسم بمفردي، مع إعطاء بعض الأشياء للعمل عليها أحيانًا.
درست تحت إشرافه، وفي نيبال، بعد الصف العاشر، يُتوقع منك أن تقرر مسار مستقبلك. بتأثير من معلمي، قمت بتضييق خياراتي لتصبح فناناً أو عالماً في دراسة الزواحف، خاصةً بفضل ستيف إروين. تلك كانت خياراتي الاثنين.
استكشفت أين يمكنني دراسة علم الزواحف، لكن بدا الأمر صعبًا، حيث كان يتطلب الدراسة في الخارج، والتي لم تكن تبدو خيارًا قابلاً للتنفيذ في ذلك الوقت. في النهاية، اخترت الفن. بعد اتخاذ هذا القرار، بعد الصف العاشر، واصلت الدراسة وخلق الفن تحت توجيه معلمي لفترة طويلة.
image
image
image

مشاريع H11235 من سنوات مختلفة

— أذكر أنك قلت مرة إنه إذا لم تكن تصنع الفن، فربما كنت تفعل شيئًا في مجال الأدب، لأنك تحبه كثيرًا.
— نعم، أحب الأدب! في المدرسة الثانوية، قابلت بعض الأصدقاء المثيرين للاهتمام، خاصة اثنين مقربين — أحدهم أصبح كاتبًا والآخر موسيقيًا. نحن الثلاثة شكلنا نوعًا من الثلاثي الإبداعي، ندرس الأدب معًا، ونتبادل القصائد، ونتبادل الأفكار، ونلهم بعضنا البعض عمومًا. في ذلك الوقت، كنت أقرأ كثيرًا، خاصة الخيال والكتب البحثية المتنوعة. أحد الكتب التي صادفتها حينها كان عالم صوفي لجوسن جاردر، والذي أدهشني بعمق وأثر في نهاية المطاف في اسم الفنان الخاص بي.
أصبح تلك الفترة مرحلة حيث كنت أكتب كثيرًا بنفسي. حتى أنني فكرت في الدخول إلى صحافة الصور والجمع بينها وبين الكتابة، لكن في النهاية لم يحدث ذلك — أعتقد أن اهتمامي لم يتطور بالكامل في ذلك الاتجاه.
— إذًا، عالم صوفي أثرت في اسم الفنان الخاص بك. كيف؟
— عندما دخلت إلى فن الشارع والجرافيتي لأول مرة، كنت أقوم بالرسم وعمل الجرافيتي الغير قانوني كثيرًا. لذا كنت بحاجة إلى اختيار اسم — اسم يلقى صدى معي بطريقة ما. في ذلك الوقت، كنت أقرأ عالم صوفي، وكان أحد الفصول عن أرقام فيبوناتشي. لقد أذهلني هذا المفهوم. شعرته كأن أرقام فيبوناتشي تمثل نوعًا من النظام العالمي، طريقة لترتيب كل شيء بشكل متكامل في مساحة واحدة.
بحلول ذلك الوقت، أدركت أيضاً أنني أحب فكرة وجود قوتين متضادتين تعملان ضد بعضهما البعض. لذلك، انتهى بي الأمر إلى أن تمثل الأرقام "11235" النظام الكوني، لأن هذه هي الأرقام الذهبية التي يتبعها الكون. إن "H" في اسمي جاء من افتتاني بالشخصية هايد، من رواية روبرت لويس ستيفنسون الحالة الغريبة للدكتور جيكل والسيد هايد. هايد كان يمثل الفوضى - شخصية لا تتبع أي قواعد.
الجمع بين هذه الأفكار كان منطقيًا: هايد يجسد الفوضى، و"11235" يمثل النظام. هكذا ظهر اسمي الفني.
— يا إلهي، هذا منطق رائع! إذًا، لقد قمت بالكثير من الجرافيتي الغير قانوني. أنا متأكد أنك تتذكر أول قطعة لك — هل كان مخيفًا لك القيام بذلك، مع العلم أنه غير قانوني؟
— عندما تدرك بالفعل أنك ستقوم بالجرافيتي وأنت تسير في الشارع مع العلم أنك ستضطر إلى التوقف والقيام به، فإن الأمر يبدو مكثفًا للغاية. كنت طفلاً انطوائيًا جدًا في ذلك الوقت، لذا كان التواجد في مكان عام بالفعل صعبًا. لكن التواجد في مكان عام، والقيام بشيء يجذب الانتباه من الناس، سواء أُريد أم لا، كان مرعبًا بشكل خاص.
لم تكن المرة الأولى جيدة على الإطلاق؛ في الواقع، كانت سيئة جداً. لقد قمت فقط بعمل الوسم الخاص بي بسرعة وهربت فورًا لأن الناس كانوا يقتربون. أذكر أنني وضعت وسمًا على مبنى قريب من مكان سكني، رغم أنه لم يعد موجودًا الآن.
image
image
image

برساد (2015)

— مرةً، عندما كنت تتحدث عن برساد — مشروع الفن الحضري الذي غطيت فيه الشوارع في نيبال بالوجوه — قلت أنك كنت دائماً مفتونًا بالوجوه. هل يمكنك أن تخبرني لماذا؟ هل هناك قصة وراء ذلك؟
— أتذكر عندما كنت صغيراً جدًا، كان والدي أيضًا يصنع الفن، لذا كان لدي دفتر رسوماته. في ذلك الدفتر، كانت هناك العديد من رسوماته، وكنت أرسم الوجوه فيه عندما كنت صغيرًا جدًا. بسبب مشاهدتي للكثير من الرسوم المتحركة في ذلك الوقت، أتذكر محاولاتي لصنع وجوه واقعية لكن انتهى بي الأمر برسم عيون تشبه عيون ميكي ماوس.
أذكر بوضوح أن والدي علمني كيف أرسم عينًا بشرية بشكل صحيح، وكان ذلك مثيرًا للاهتمام للغاية. لذا، كنت دائمًا مهتمًا بالوجوه — أحب رسمها، ولهذا أقوم بذلك.
لن أقول بالضرورة إن الوجوه هي بوابة إلى شخصية الفرد، لكن بالنسبة لي، وجه يحمل معنى كبير — سواءٌ كان مرتبطًا بالهوية أو التراث أو العديد من الأشياء الأخرى المرتبطة به.
image

ميلاد (2017)

— هناك لوحة واحدة شدت انتباهي حقًا — تُسمى ميلاد (2017)، وإذا فهمت بشكل صحيح، فهي واحدة من المفضلة لديك. هل يمكنك أن تخبرني المزيد عنها؟ ماذا تعني لك؟ لماذا قمت بإنشائها؟ ما القصة وراءها؟
— تم إنشاء تلك اللوحة لعرض ثنائي، وكانت واحدة من معارضي الأولى التي تضم الفن الحضري. كان مفهوم العرض تحت تأثير اهتمامي المستمر بالحيوانات وأهميتها. أردت استكشاف الروابط بين البشر والحيوانات بطرق مختلفة.
كان هذا الاستكشاف مهمًا لي لأنني كنت دائمًا مفتونًا بالحيوانات، لكن في نفس الوقت، كنت مدفوعًا بالاهتمامات البيئية، وفهم كيف أن البيئة حيوية لعالمنا.
في هذه اللوحة الخاصة، أردت أن أُبرز التشابهات بين البشر والحيوانات، خاصةً خلال مرحلة الجنين. عندما تتطور الثدييات كأجنة، فإنها جميعًا تبدو تقريبًا متطابقة في البداية. فقط لاحقًا في نموهم يبدأون في التباعد بشكل كبير. بيولوجيًا، كان هذا يبدو كنقطة اتصال واضحة بين البشر والحيوانات.
كان الفيل الرضيع المرسوم في اللوحة مستوحى في الواقع من جنين فيل حقيقي رأيته في متحف للتاريخ الطبيعي هنا. لقد افتتنت به بشدة ودائماً تذكرت تلك الصورة، لذا علمت أنني أردت إنشاء شيء بناءً عليها.
من الناحية التقنية، كانت أيضًا عملًا مهمًا بالنسبة لي. كنت أستخدم البخاخات بشكل مكثف في ذلك الوقت، وكانت الجودة المتوفرة هنا سيئة للغاية — مشابهة للألوان المتوفرة في الستينيات أو السبعينيات، كانت سائلة ومحدودة النطاق. كان علي أن أخلط ألواني بنشاط، ومزج الألوان داخل العبوات، محاولاً جاهداً تحقيق التأثير المطلوب. هذا التجريب والجهد جعل اللوحة أكثر معنيًا.
image

النظام والفوضى (2018)

— سؤالي التالي يتعلق بعملك الفني في عام 2018، النظام والفوضى, الذي قمت به لفينالي كوتشي 2018. هل يمكنك أن تخبرني المزيد عنه؟
— هذا العمل موجود في ميتانشيري، أحد أقدم أجزاء كوتشي، وهو مليء بالمباني التي يعود عمرها إلى 300 أو 400 سنة ولا تزال قيد الاستخدام. الواجهة المحددة التي رسمت عليها كانت جزءًا من محل لإعادة تأهيل البراميل المعدنية — حيث تأتي البراميل الفارغة للنفط ويجري إصلاحها، ثم تُعاد للخارج. عندما رأيتها لأول مرة، وجدت الأمر مثيرًا للاهتمام: لديك شيء قديم ومهترئ، لكن بالمهارة والوقت، يعيد الناس إحياءه. المكان بذاته موجود منذ حوالي قرن، وهو بالفعل يناسب فكرتي عن استخدام مهاراتنا لخلق النظام ضمن الفوضى.
هذا ما ألهمني لرسم الأيدي هناك — لقد كنت أعمل بالفعل مع الأيدي كعنصر، وفي هذا السياق، كان منطقيًا. الناس يستخدمون أيديهم ومهاراتهم للإصلاح وإعادة البناء، وأردت أن يعكس الجدارية هذا. العمارة للواجهة دعمت الفكرة أيضًا؛ الشكل والبنية شعرت بأنها مناسبة لذلك. بالإضافة إلى ذلك، هناك الكثير من الكنائس القديمة في المنطقة، وذكرتني الواجهة نفسها بمذبح الكنيسة، مما أضاف طبقة أخرى لما أردت التعبير عنه من خلال العمل الفني.
أشعر أن الفن الجرافيتي والجدرانيات يمتلكان قوة فريدة لا تحصل عليها بمجرد اللوحة على القماش. عندما ترسم شيئًا على مبنى، يصبح جزءًا من المنظر الطبيعي. يتصل بمحيطه والسياق الذي يعيش فيه — وكان ذلك دائمًا جانبًا مهمًا بالنسبة لي عند إنشاء أعمال جديدة.
— طرأ عليَّ سؤال عشوائي — ما كان أصعب سطح عملت عليه حتى الآن؟
— آه، يجب أن يكون الجدار الذي قمت به في بنارس. لم يكن جدارًا مستويًا — تم بناؤه من حجارة النهر، لذلك كانت السطحية تحتوي على فجوات كانت أحيانًا بعمق ست بوصات، وأحيانًا ثلاث بوصات. كان غير متساوٍ جدًا. بالنسبة لأسلوب عملي، الذي يمكن أن يكون واقعياً بشكل كبير، جعل ذلك الأمور خاصةً صعبة. ولكن هذا ما جعله مثيرًا للاهتمام أيضًا.
image
image
image

مزارعو البحر (2023). صورة: سهيل بليم، ألويشيس، سكاي راو درونز وراتنا

— لديك أيضًا تلك الجدارية الثلاثية الرائعة، مزارعو البحر. هل هذه أكبر قطعة أنشأتها على الإطلاق؟
— يمكن أن تكون، يمكن أن تكون!
الجدار والمبنى الذي عليه تم بناؤهما من قبل الحكومة للجماعة الصيد التي تعيش في تلك المنطقة. كل شخص في ذلك البيت — والحوالي عشرين منزل مماثل له — هم الصيادون وعائلاتهم. إنه بجوار الشاطئ تمامًا حيث يخرجون ليلاً للصيد ويعودون بالسمك. لذلك بالنسبة لي، كان الجانب البيئي دائمًا جزءًا من هذه العمل.
عندما كنت هناك أبحث عما سأرسم، قضيت بضعة أيام أتجول، وألتقي بالصالحين وزوجاتهم. أحببت الديناميكية: الرجال يخرجون إلى البحر في منتصف الليل، ثم يعودون، وتدير الزوجات الأكشاك التي يبيعون فيها السمك. إنها كلها رتيم فريد لهذه الجماعة.
أيضًا، تم ضرب هذه المنطقة بإعصار كبير أو تسونامي منذ سنوات أدت إلى مقتل العديد من الأشخاص، لذلك هناك التاريخ من الدمار البيئي أيضًا — تغير المناخ، ولكن أيضًا كيف لا يزال هؤلاء الناس يعتمدون بشكل كامل على البحر في معيشتهم. كل ذلك تجسد في هذه الجدارية ووجه الصورة التي أصبحت عليها.
— والآن، بدءًا من 4 يوليو، ستكون جزءًا من معرض لا مجرى في مؤسسة إشرا للفنون. هل يمكنك أن تخبرني المزيد عن العمل الذي تعرضه هناك؟
— الفكرة كانت بناء اتصال بين المكان الذي أتيت منه وما تمثله دبي — للعثور على التوازي والتشابه بين الأنواع، ولكن أيضًا في حسي فيزيائي، هيكلي. أردت أن أظهر الأيدي كالقوى التي تبني الهياكل التي نعيش فيها — للحديث عن البناء، والتشييد، وكيف نرتبط بالبيئة المبنية التي خلقناها لأنفسنا. العنوان كان مأزق عصرنا الحالي — استكشاف كيف يجب أن يتعايش المعمار القديم والجديد جنبًا إلى جنب.
كانت هذه هي الفكرة الأولية، ولكن بسبب القضايا العملية، لم أتمكن فعليًا من التواجد هناك لتنفيذها. العمل معقد للغاية بحيث لا يمكن لأحد أن ينفذه بصورة حقيقية إلا أنا، لأنه أسلوب طوره بنفسي. لذا قررت بريانكا [بريانكا ميهرا، منسقة المعرض] وأنا أننا بحاجة إلى خلق عمل مختلف — يمكنه أن يعبر عن ما أردت قوله، ولكن يمكننا بالفعل إنتاجه بشكل واقعي تحت الظروف الحالية.
أنشأت عملًا تجريديًا بالكامل باستخدام وسائل مختلطة. إنه تذكرة لكيف يمكن للحدود أن تشكل مباشرةً نتيجة المشروع؛ إذا كنت قد تمكنت من الحضور، لكان العمل سيبدو مختلفًا تمامًا. الآن، يصبح هذا الفراغ غير المتوقع نوعًا من محادثة مبتدئة بحد ذاتها.
image

مأزق عصرنا الحالي (2025)

— إذن، سؤالي الأخير يتعلق بشيء أجد فيه حقًا جاذبية في عملك — هذا التطور الذي أراه فيه. عندما أنظر إلى أعمالك المبكرة، مثل الوجوه التي تغطي شوارع نيبال، الأعمال بالأبيض والأسود، وفن الخط، ثم أقارنها بالأعمال الحديثة مثل Five Senses أو ما تعرضه الآن في No Trespassing, أشعر بأنها مختلفة تمامًا — هناك الكولاج، وهناك هذا النهج الطبقي، إنها لغة بصرية جديدة تماماً. هل يمكنك إخباري بما حدث على طول الطريق؟
— بالتأكيد! لقد بدأت برسم الوجوه على الشوارع — كان هذا دائمًا ما يهمني. كنت أرغب بشدة في تعلم كيفية استخدام الطلاء بالرش لرسم الوجوه جيدًا؛ كان ذلك هدفي الأول. ولكن في الوقت نفسه، كنت دائمًا أفكر في ما أريد حقًا أن أقدمه هناك — ما الأفكار التي أريد التعبير عنها. كان التناقض دائمًا موضوعًا لي، لذا أصبح رسم الوجوه بالأبيض والأسود طريقًا لإظهار كيف أننا كبشر لم نتطور بيولوجيًا بشكل كبير بعد — نحن نتطور، لكن ببطء — وفي الوقت نفسه، هناك تطور آخر يحدث، وهو ذهني.
كانت الوجوه بالأبيض والأسود تمثل ذلك الجانب البيولوجي، وكان الخط — غالبًا بلون ملفت مثل الأحمر — يرمز إلى التطور الذهني الذي نمر به جميعًا. لقد فعلت ذلك لفترة طويلة، وقد تم لاحظته — كنت أرسم بالرش الوجوه في وقت لم يكن أحد يقوم بذلك في منطقتي أو حتى في بلدي. كانت الأسلوب جريئًا جدًا ولفت انتباه الناس. كما اندمج بشكل طبيعي في مشروع بْرَاسَدْ الذي قمنا به لاحقًا، لذا كان كل ذلك منطقيًا. لقد رسمت بهذه الطريقة لمدة ست أو سبع سنوات.
كان فن الخط نفسه مثيرًا للاهتمام لأنه رنجانا ليبي، وهو نص تقليدي من مجتمعي — تقني جدًا وجميل جدًا — لذا أردت استخدامه. لكن بمرور الوقت، بدأت أبتعد عنه لأنه لم يعد يثيرني. أدركت أنني كنت أقول نفس الشيء مرارًا وتكرارًا عن التطور البيولوجي والذهني، لكنني أردت التحدث عن أشياء أخرى أيضًا. بدأ أسلوبي القديم يشعرني بالتقييد.
في حوالي عام 2015، أقمت معرضًا مع اليانس فرنسيس، وأعتقد أن هذا العرض كان بداية تغييري في الأسلوب، حتى لو حدث التغيير الفعلي لاحقًا. كان قرارا مخيفًا — كفنان شارع، تقضي سنوات في تطوير هوية بصرية يتعرف عليها الناس، لذلك كان التخلي عن ذلك وبدأ شيء جديداً يشعرني بالمخاطرة.
الآن، مع العمل الأحدث، أشعر أنني أستطيع قول الكثير. إنه يفتح لي العديد من الاتجاهات.